Introduction à l'art immédiat en Massif Central: MASSIF EXCENTRAL (1)

     La première note que j'ai écrite sur ce blog début juin concernait la Suisse et plus particulièrement la région d'Appenzell-Toggenburg que domine la montagne magique du Säntis.

(Petit rappel, c'est ça le Säntis)

     Pôle magnétique que cette montagne semble-t-il irradiant l'inspiration vers ses "Sylvester klaüse", hommes sauvages errant dans la neige en quête d'offrandes humaines, épouvantails ambulants dont l'épouvantail en fer blanc du Magicien d'Oz est comme un écho amoindri... Déchaînant les muses, également, des peintres-paysans bien connus dans ces régions...

    Or, il m'est apparu, après un tout récent voyage dans le Cantal, appelé là-bas par un ami dont j'avais fait la connaissance grâce à la lecture (qu'il avait faite avec beaucoup d'années de décalage) d'une plaquette éditée par moi à compte d'auteur en 1993 (son titre: Tour de France de quelques bricoles poétiques (inédites) en plein air, édition conjointe Gazogène/L'Art Immédiat), que nous avions ici aussi, en France, un massif -eh oui pas seulement une montagne- qui pourrait bien être un autre pôle magnétique d'inspiration, de par ses forces souterraines latentes, la chaîne des puys, le Massif Central et ses anciennes traces de volcanisme.

Le Puy Mary vu du village du Claux et plus particulièrement vu depuis la tombe de l'excellent écrivain André Vers

      Les exemples de créations populaires sont ici légion que l'on songe aux mystérieux Barbus Müller (à l'origine de l'Art Brut), ou à d'autres sculpteurs sur lave comme Joseph Barbiero, au peintre classé dans l'Art Brut Jean Tourlonias (résidant à Cébazat), ou à cet autre peintre naïf bagnard, originaire de Clermont-Ferrand, Pierre Huguet, décorateur d'une église à Iracoubo en Guyane, à ce dessinateur étonnant de Toulon-sur-Allier nommé Alphonse Courson (révélé dans le recueil de textes divers rassemblés par Pascal Sigoda sous le titre L'Auvergne insolite), ou à l'imagier Pierrot Cassan à Mauriac dans le Cantal, ou encore à ces nombreux décors sculptés qui parsèment le Massif ici ou là, par exemple dans le Cantal, le Puy-de-Dôme, ou le Velay. On y trouve en nombre des croix de chemin d'un archaïsme et d'une ingénuité époustouflants, calvaires en étroite réduction des célèbres calvaires de Bretagne. Les Inspirés du Bord des Routes, si l'on n'a pas encore trouvé de sites d'une grande ampleur, sont aussi présents dans le Massif Central, à commencer par le plus ancien des environnements français en plein air, celui de François Michaud dans la Creuse, près du Plateau de Millevaches (voir ma note du 10 juin). Mais il y en a d'autres, dénichés parfois par moi (comme Michaël G. à St-Flour que je fis connaître à Emmanuel Boussuge qui l'a cité dans le n°1 de sa revue Recoins), parfois par d'autres comme Nicolas Galaud qui signala l'environnement de René Delrieu à Ally dans le Cantal.

Pierrot Cassan, scène de turf, dépôt à la Médiathèque de Mauriac (Cantal)

     Dans le Cantal, Emmanuel Boussuge, depuis quelque temps donc, sérieusement mordu par la passion de l'art populaire insolite en Auvergne, s'est mis à prospecter furieusement chaque arpent du Cantal oriental (encore l'oriental, comme pour la Suisse...!). Il est en passe de devenir le pape du linteau naïf. Pas une croix de chemin qu'il ne connaisse avec leurs différents éclairages de la journée... sans compter qu'il se trouve également le découvreur d'un certain nombre de créateurs non repérés jusqu'à présent (créateurs d'environnements, ou artistes populaires).

(Photo B.Montpied)

      N'oublions pas que c'est aussi dans le Massif Central que commença l'aventure de l'Art Brut avec l'existence au sein de l'hôpital psychiatrique de Saint-Alban-sur-Limagnole en Margeride du sculpteur extraordinaire Auguste Forestier, dont la découverte par Dubuffet (en 1944) est antérieure aux découvertes qu'il fit par la suite en Suisse. Une exposition cet été, organisée par le Musée d'art moderne de Villeneuve-d'Ascq, se charge de le rappeler à nouveau.

Un "Barbu Müller", sculpté dans la lave, et tel  qu'il est exposé du 4 juin au 1er Septembre au Château de Saint-Alban-sur-Limagnole dans le cadre de l'exposition Trait d'Union, les Chemins de l'Art Brut 6

     Je me propose donc dans les semaines qui viennent de revenir plus en détail sur ces différents sujets.

    Mais pourquoi "Massif Excentral", me direz-vous avant que je passe à la prochaine note ? C'est qu'il m'est aussi apparu (que d'apparitions en douze jours...) que ce Massif devenait de moins en moins central, ou du moins que ce centre, on le contournait, on l'oubliait, on le méprisait peut-être même, et que donc il devenait de plus excentré... De là, ce jeu de mots d'ex-central qui n'est guère malin, j'en conviens, mais qui constitue tout de même un titre acceptable... Ce Massif, arraché à sa condition qui aurait dû être centripète, abrite peut-être de ce fait tout ce qui compte aujourd'hui parmi les inspirés et les excentriques authentiques, bref dans la création la plus purement immédiate (c'est aussi dans le Massif Central, près du Velay, que s'abrita près de vingt ans le théoricien situationniste Guy Debord...).

    Une autre question subsidiaire... Pourquoi, alors qu'au pied du Säntis en Suisse, dans un pays idolâtrant ses ruminants, s'est développé l'art de la poya, peinture des montées aux alpages exposée sur les pignons, sur les étables, comme si cette peinture était faite pour les vaches elles-mêmes, pourquoi la même chose ne s'est pas produite dans le Massif Central? Une peinture pour les vaches, je ne sais (hormis les premiers peintres naïfs anglais) que Dubuffet pour l'avoir tentée (sûrement influencé par l'art des poyas suisse, dans ce pays qu'il aimait particulièrement). Mais j'aurai cependant l'occasion d'évoquer l'art pour les pigeons voyageurs des pigeonniers de Limagne...!

Vaches de race Salers sous le Puy de la Tourte (Cantal), divinités égyptiennes? (Ph. B.Montpied)

Les éléphants qui gazouillent, actualités à la Halle St-Pierre et à Nice (Festival du Film d'Art Singulier)

      Cela fait quelque temps que je n'ai pas parlé de ce qui advient autour de mon livre, Le Gazouillis des éléphants, mon inventaire d'environ 300 environnements populaires spontanés français, aux éditions du Sandre. Il est utile peut-être de signaler aux retardataires, qui ne se le seraient pas encore procuré, qu'il est désormais officiellement épuisé, à la fois chez le diffuseur (Harmonia mundi) et chez l'éditeur...

      On peut cependant encore le dénicher chez les quelques libraires qui ont décidé d'en garder des exemplaires en cas de demande de dernière minute. Au premier rang desquels, on peut citer la librairie parisienne de la Halle St-Pierre qui en possède encore une petite vingtaine. Du reste, dans le cadre de la manifestation culturelle "Le Pari des librairies", je serai amené à dédicacer l'ouvrage à la Halle St-Pierre le vendredi 8 juin à 16 heures (ça se passe dans le hall) pour ceux qui voudraient l'acquérir.

      Le livre traîne dans d'autres librairies sans que je sache bien les identifier. On me l'a signalé récemment acheté à Sète, par exemple. J'ai vu un exemplaire qui "résistait" également au bout du rayon "art brut" de la librairie L'Ecume des pages à St-Germain-des-prés. Il est probable que le comptoir de livres de la collection de l'Art Brut à Lausanne en a encore quelques exemplaires...(?) Etc. Si vous en voyez ici ou là, n'hésitez pas à le signaler à mes lecteurs via les commentaires suivant cette note. Cela peut être un agréable jeu de pistes.

     Une autre occasion se présentera plus tôt, dans une semaine exactement, le 1er juin prochain, à Nice, à la librairie Masséna (55 rue Gioffredo), de 19h à 20h30, pour parler de mon livre et pour le dédicacer également auprès des amateurs. La librairie aura une dizaine d'exemplaires à vendre. Je causerai du livre avec le libraire et l'animateur du festival de cinéma autour des arts singuliers, Pierre-Jean Wurst, qui m'invite à la fois pour cette soirée du 1er, et le lendemain matin aussi, le samedi 2 juin donc, dans l'auditorium du musée d'art moderne et d'art contemporain (MAMAC) de Nice, dans le cadre de l'association Hors-Champ. Entre 10h30 et 12h, je présenterai succinctement en effet quelques films sur des créateurs d'environnements que l'on peut retrouver dans mon Gazouillis, comme François Michaud, Jean-Marie Massou (rencontre de 1987), Raymond Guitet, Marcel Landreau, et Roméo Gérolami. Jugez plutôt du programme de ces festivités (je vous le mets aussi en lien vers un fichier pdf plus lisible):

Programme du 21e Festival du Film d'Art singulier, juin 2018.

 

     Les trois créateurs, Massou, Guitet et Landreau, figurant à cette projection, furent filmés par moi en format Super 8 (du cinéma amateur, donc – ce qui suffit à me faire qualifier parfois du titre ronflant de "cinéaste", surtout après avoir lu la fiche qui a été consacrée au groupe, plus informel et éphémère qu'autre chose, Zoom back Caméra!, sur Wikipédia, auquel son auteur me fait appartenir d'une manière un peu "romancée"¹ ; voir aussi la fiche qui m'a été plus spécifiquement consacrée). Les deux films sur les deux derniers sont trouvables en DVD dans les bonus du film Bricoleurs de paradis qui fut joint à mon livre Eloge des jardins anarchiques, paru aux éditions L'Insomniaque en 2011. Le petit film sur Massou est désormais une rareté. Il fut tourné en effet en 1987, bien longtemps avant le film d'Antoine Boutet (certes infiniment plus professionnel...), à une époque où Massou, encore vigoureux, grimpait à mains nues aux arbres, ou descendait pareillement dans les excavations qu'il creusait comme une taupe humaine un peu partout sur son terrain lotois. Je l'ai assez peu projeté en public. Les dernières fois, ce fut sans doute d'ailleurs déjà dans ce même festival à Nice (voir le petit dictionnaire Hors-Champ de l'art brut au cinéma aux éditions de l'Antre, livre disponible à l'occasion du festival).

      Sinon, autre petite nouvelle concernant le Gazouillis, le livre a été offert par un de mes lecteurs, Laurent Jacquy (voir le blog Les Beaux dimanches), à un créateur présent dedans, José Leitao (voir sa notice du Gazouillis, trouvable à la région Picardie, département de la Somme). Ce dernier, qui s'était un peu arrêté de sculpter est, paraît-il, reparti de plus belle, encouragé, paraît-il par sa présence dans le livre. En tout cas, j'aime à le croire...

José Leitao avec le Gazouillis des éléphants, mai 2018, ph. Laurent Jacquy.

José Leitao, ph. Laurent Jacquy, mai 2018.

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¹ Le groupe "Zoom back, caméra!", que l'auteur de la fiche Wikipédia présente comme ayant eu des activités "entre 1974 et 1984", n'a pas réellement existé, en toute rigueur historique. Nous étions trois amis, qui faisions effectivement diverses expérimentations à cette époque, telles que décrites avec justesse dans la notice, mais sans s'être organisés réellement, formellement, en groupe avec un nom. Le nom de "Zoom back, caméra!" (emprunté je crois à une réplique du film de Jodorowsky, La montagne sacrée, qui nous faisait beaucoup rire, Jacques Burtin et moi)  ne fut proposé, en manière de plaisanterie surtout, comme si nous étions vraiment un groupe, qu'à l'occasion de la projection dans le cadre du salon lettriste Ecritures en 1977 au musée du Luxembourg. Et jamais à une autre occasion! Nos expérimentations se passaient le plus souvent à deux, tantôt Jacques Burtin et moi, tantôt Jacques avec Vincent Gille. Les expérimentations à trois (une conversation automatique qui échoua lamentablement, des photographies de situations créées, une peinture collective de tableau, le Triangle) furent rares.

Václav Levý, un sculpteur instinctif en Bohême

           

 

             Cela fait déjà de nombreuses années que je traîne des bribes d'informations sur ce Václav Levý aperçu au détour de lectures souvent en rapport avec le surréalisme et ses abords (par exemple dans un livre de Véra Linhartova sur Joseph Sima, ou dans un numéro ancien de la revue Change qui évoquait les contacts des surréalistes français avec leurs homologues tchéques aux alentours des années 70 -Vincent Bounoure citant sans plus de précisions "les rochers sculptés de la forêt en 1974" comme lieu de visite avec les surréalistes tchéques ).

            « Il n'y a pas d'ensemble comparable [à l'ensemble baroque des sculptures monumentales de Mathias Bernard Braun à Kuks en Tchécoslovaquie] mis à part, peut-être, les sculptures d'un romantisme naïf exécutées vers le milieu du XIXe siècle par le sculpteur Václav Levý à Klácelka, près de Mĕlník. Il se peut que le grand-père de Sima, tailleur de pierre à Prague, ait alors participé à l'ouvrage : les reflets des têtes géantes, creusées en haut-relief à l'entrée des grottes, apparaîtront dans les tableaux de Sima vers la fin des années trente » (Vĕra Linhartová, Joseph Sima, ses amis, ses contemporains, Ed. La Connaissance, 1974, pp 9-10).

Joseph Sima, La mer, 1933, Galerie Nationale de Prague

 

            Anatole Jakovsky, qui n'avait pas les yeux dans ses poches, avait lui aussi repéré les rochers sculptés dans les bois de Libechov, près de Mĕlník en Bohême, au nord  de Prague (dans ses Mystérieux Rochers de Rothéneuf, aux éditions Encre, 1979).

            C'est qu'il n'y a pas beaucoup d'exemples de sculptures rupestres en plein air, populaires qui plus est, en Europe, du genre de l'abbé Fouré, l'ermite de Rothéneuf qui sculpta entre 1893 et 1910, pour se désennuyer et affirmer ses convictions, des rochers qui surplombaient le rivage. Jakovsky, cependant, avait été précédé -dès 1907 !- par l'obscur journaliste auteur de l'article Excentriques, confrères de nos artistes, dans la revue Lectures pour tous, article mêlant la fascination à la moquerie goguenarde à l'égard des créations marginales, un peu dans la même veine des articles que Courteline à la même époque consacrait à la peinture naïve qu'il collectionnait avec un intérêt ambivalent. Le journaliste anonyme cite le sculpteur de Bohême, histoire de trouver des alliés à l'abbé Fouré, qu'il soit un peu moins "excentrique" justement (on aimerait bien savoir les sources de sa documentation ; j'ajoute qu'il ne joint aucune illustration à son article) :

            « Si original que soit son art, cet ermite a eu un devancier, un sculpteur de Bohême. Il y a un siècle environ [là, l'auteur exagère un peu, Levý a vécu de 1820 à 1870 ; il exerça donc son activité de sculpteur plutôt aux environs du milieu du XIXe siècle, soit une cinquantaine d'années avant l'article de Lectures pour tous], un propriétaire de Libechov, près de Melnik, le comte Veith, engageait comme marmiton un jeune garçon du village, Vaclav Löwy [orthographe de l'article maintenue]. Les fonctions de Löwy consistaient à entasser le beurre dans des jarres. Tandis qu'il pétrissait son beurre, l'idée vint au gamin de se servir de cette substance plastique pour modeler des animaux. Un jour que le comte Veith visitait l'office, il découvrit Vaclav en train de sculpter un cerf et des chiens. Devinant chez l'enfant un certain talent, il s'intéressa à lui et l'envoya étudier à Prague, puis plus tard, à Munich, et enfin à Rome, si bien que, quelques années plus tard, l'ex-marmiton était devenu un des meilleurs sculpteurs de son temps.

            Chaque année, Vaclav Löwy venait passer ses vacances à Libechov, et c'est alors qu'il conçut le projet de sculpter les rochers dispersés dans les bois d'alentour. Aujourd'hui, ces rochers sont une des curiosités de la région : rien n'est plus étrange que leur aspect, dans la verte pénombre de la forêt, sous les plaques de mousse qui les recouvrent.

            Ici, deux chevaliers des Croisades veillent, revêtus de leur armure, appuyés sur leur haute épée ; là, sous ce bouquet de hêtres, un groupe de gnomes est en train de forger ; à l'orée de ce taillis de chênes, une énorme tête de géant semble regarder le promeneur de ses orbites vides et inquiétantes. »

             Ce texte est bien sûr à prendre avec des réserves, mais on notera que l'époque de la sculpture des rochers, vers le milieu du XIXe siècle, fait de cet environnement un des sites spontanés les plus anciens qui se soient conservés jusqu'à nous (voir ma note du 10 juin sur François Michaud).

 

 En cherchant sans réelle conviction sur Internet, je suis alors tombé sur un article d'Ivana Vonderková, uniquement disponible en espagnol en dehors du tchèque, sur le site de Radio-Praha (Radio-Prague).

 En le traduisant de façon très subjective, j'ai retrouvé le nom de Veith qui paraît bien avoir joué un rôle de mécène auprès de Levý. Il semble également que l'histoire du sculpteur d'abord seulement instinctif, puis ensuite acquérant du métier au point de devenir un sculpteur savant (et du coup assez banal !) qui influença des générations de sculpteurs tchèques, cette histoire paraît fondée. Ce destin paraît tout à fait exceptionnel, dans l'ensemble du corpus des arts populaires spontanés. Généralement, c'est plutôt le contraire, on a des artistes bien établis (Carl-Fréderik Hill, Ernst Josephson, Charles Meryon, Louis Soutter, Théophile Bra (un exact contemporain de Levý, celui-ci)...) qui basculent à la suite d'une rupture psychique quelconque dans une autre ère de production d'oeuvres. Là, on part d'un talent inné et l'on se dirige par apprentissages successifs vers le talent et le savoir-faire fixés comme universellement admirables (et l'on se dit que ces apprentissages ne furent pas forcément, si l'on se limite à un point de vue strictement artistique, ce qu'on a fait de mieux avec Václav Levý).

            Pour la première fois en tout cas, c'est sur ce site de Radio-Praha que j'ai enfin vu des images (minuscules, hélas) des sculptures de Levý dans la forêt, ou du moins c'est ce que l'on doit déduire car il n'y a pas de légendes pour le confirmer à côté des photos, hormis des titres inventés semble-t-il par l'auteur de l'article.

           Ce sont ces photos qui m'ont décidé à écrire enfin -après 20 ans d'attente au moins !- la note présente. Les sculptures de Václav Levý y apparaissent d'une rugosité, d'une sobriété et d'une expressivité rudimentaire assez étonnantes, bien éloignées des statues qu'il aurait taillées par la suite (à croire qu'il ne s'agit pas du même sculpteur), voir l'exemple que je reproduis ci-dessous, tiré lui aussi du même site.

Vaclav Levy, Adam et Eve, sculpture en cire (semble-t-il)

 

 

             Je ne comprends pas que personne, jusqu'à présent, n'ait davantage cherché à nous présenter des photos et des informations plus détaillées sur la vie et l'oeuvre de ce créateur intriguant.

              A suivre en tout cas...

      

         

L'Eloge des Jardins Anarchiques, le livre de Bruno Montpied sort en mars

1ère et 4ème de couverture du livre L'Eloge des Jardins Anarchiques, éditions de L'Insomniaque, avec les rabats déployés (dernière maquette établie au moment où j'écris ces lignes)

 

     Il y a le film, Bricoleurs de Paradis, qui sort bientôt à la télévision, mais il y aura aussi dans un peu plus de temps, quand le méchant hiver sera balayé par les giboulées, et que les bourgeons reviendront, L'Eloge des Jardins Anarchiques, publié par votre serviteur aux Editions de l'Insomniaque en mars. Les deux se complètent, et c'est pourquoi on retrouvera le film en DVD sous les rabats du livre.

Voir l'avis de souscription (pour acquérir ce livre avec une réduction) au bas de cette note

     Il s'est agi de rassembler un certain nombre d'articles anciens en les joignant à de nouveaux rédigés spécialement pour l'occasion. Les articles anciens ont été remaniés, pourvus de notes concernant quelques mises à jour d'information. La réédition de ces textes était souhaitée par moi depuis longtemps car ils avaient fait l'objet de publications dans des revues ou des livres restés en diffusion passablement confidentielle (Plein Chant, Création Franche, les premiers numéros de Raw Vision, Réfractions, Le Monde Libertaire, L'oeuvre énigmatique de François Michaud, Recoins...), quand ils n'avaient pas été raccourcis par les tribunes qui les avaient accueillies (Artension, 2ème série, pour Les Inspirés qui expirent, titre qui devint Voués à la destruction). Le projet parallèle de film avec Remy Ricordeau me permit de découvrir d'autres sites pour lesquels de nouveaux articles s'imposaient, sur Bohdan Litnianski, les vestiges du jardin d'Emile Taugourdeau, ou sur le jardin de moulins multicolores d'André Pailloux, par exemple. Par manque de place, j'ai été amené à regrouper un certain nombre de notices sur des sites pressentis pour être incorporés au film et qui ne furent pas toujours gardés au montage final (sur Alexis Le Breton, Bernard Roux, la maison "tricotée" de Madame C., André Hardy, André Gourlet, Léon Evangélaire, Joseph Meyer, Michele et Concetta Sassano, Remy Callot, etc.). J'en profitais aussi pour prolonger certains articles anciens en les incorporant dans une  mise à jour étendue (La Dynastie des Montégudet, rare cas de prolongement du travail d'un créateur par son fils).

René Montégudet sur son crocodile (fils de Ludovic, dont des photos du site qu'il avait créé furent exposées aux Singuliers de l'Art en 1978 à Paris), ph. Bruno Montpied, 2009

 

    Il doit bien y avoir une trentaine de sites évoqués avec une certaine ampleur dans ce livre. Mais si l'on se réfère à l'index que j'ai ajouté au bout du livre, uniquement consacré à l'indexation des noms des créateurs cités à un moment donné de l'ouvrage, on atteint plus de  90 sites mentionnés, avec leur localisation (ou non!), leur état actuel (dans la mesure où j'ai  toujours l'information à ce sujet), les lieux qui les conservent en partie.... Une bibliographie passablement épaisse, et pas assez exhaustive à mon goût (mais il a bien fallu que je me réfrène), complète je pense utilement l'ensemble, à l'usage des chercheurs et des amateurs qui sont toujours attentifs à la mémoire de ces créateurs et des médiateurs qui ont aidé à les faire connaître.

     Le problème de la médiation est un problème délicat. On a affaire en l'espèce - il faut sans cesse le rappeler - à des créateurs qui agissent au sein de propriétés  privées, avec, certes, à l'évidence, le besoin de montrer leurs réalisations depuis la rue ou la route qui passe devant chez eux. Parfois même, le jardin de ces gens ressemble à une galerie en plein air (exemple de Joseph Donadello, que j'ai évoqué sur ce blog, note qui a été développé pour les besoins du livre d'ailleurs).

 Monsieur C., site en Normandie, détail d'une photo plus large de BM, 2010

 

       Il n'en reste pas moins que ces créateurs aiment montrer leurs "oeuvres" (mot qui les gêne) dans un cadre qui reste de l'ordre de l'environnement plus ou moins immédiat. Les relais sur l'information concernant leur existence, par des média plus ou moins puissants  (du petit passionné dans mon genre, jusqu'à la télévision régionale, voire nationale, en passant par la presse régionale) les dépassent généralement, même si ici ou là certains se montrent un peu mégalomanes.  La méfiance est même souvent au rendez-vous avec parfois des récriminations concernant une possible exploitation de leurs travaux par les photographes de passage, ou les cinéastes comme ceux de l'équipe à laquelle j'ai collaboré (j'en profite pour dire que jusqu'à présent, dans notre cas, ces profits sont restés largement imaginaires! Si les techniciens sont payés dans ce pays,  les auteurs ne sont pas souvent servis à la même enseigne...).

 Panneau chez Joseph Donadello, Saiguèdes, Haute-Garonne, ph. BM, 2008

 

      Les créateurs ne sont donc pas toujours bien conscients de ce qui peut arriver par ce long ruban routier dont ils attendent des regards, mais quels regards au juste? Je pense personnellement qu'ils les souhaitent discrets, bien élevés, respectueux. Les gros sabots des médias de ce point de vue pourraient leur causer du tort. Soyons-en conscients à leur place...

 Alexis Le Breton, L'Art sacré..., parc de "la Seigneurie de la Mare au Poivre", Locqueltas, Morbihan, ph. BM, 2010

 

      A-t-on affaire à de l'art? Oui, si on entend ce terme dans son acception liée au seul façonnage, à la seule mise en forme. Mais non, si on rappelle que l'art c'est aussi un mode social de production, un discours théorique, une histoire, un marché surtout, une vision d'une certaine pérennité de l'oeuvre produite.     Mon livre, et le film aussi bien, évoquent l'aspect extrêmement éphémère de ces créations de plein vent, ce qui me fait les ranger sous le terme "d'art immédiat" (art de l'immédiat), et les problèmes de conservation qui découlent inévitablement de leur façon d'être créées (le problème est fort apparent dans le film lorsqu'est interrogé Claude Vasseur, le fils de Robert, qui se débat actuellement dans des difficultés quasi inextricables pour tenter de sauver le jardin de mosaïque de son père ; ce genre de problème est tellement aigu qu'on ne peut s'en tirer en traitant tous ceux qui prennent parti pour l'éphèmère "d'imbéciles", d'ignorants, etc, comme c'est le cas sur certains sites se présentant en champions exclusifs de la conservation de ces sites).

Chez Robert Vasseur, photo Remy Ricordeau, 2008

 

      Rendez-vous donc en mars, et le 3 avril plus physiquement parlant, à la Halle Saint-Pierre en début d'après-midi, un dimanche, pour la signature du livre et la présentation du film. En attendant, veuillez prendre connaissance de l'avis de souscription du livre (soit en PDF en cliquant sur le lien de l'avis ci-dessus, soit en imprimant l'image en faible résolution ci-dessous).

  

      Les Editions de L'Insomniaque: 43, rue de Stalingrad, 93100 Monteuil-sous-Bois, Tél: [phone]. [e-mail] et le site web: www.insomniaqueediteur.org. Pour les libraires qui souhaitent vendre le livre, il faut s'adresser au diffuseur Court-Circuit Diffusion.

  

  

Devenir de l'art brut

    L'art brut prend des aspects de plus en plus variés, éclectiques, hétéroclites, il recouvre des oeuvres et des personnalités qui peuvent être aussi cultivées que non cultivées. C'est l'évolution actuelle, depuis une dizaine d'années environ. Ce qui pose problème, je trouve, le terme et la notion dans cet élargissement du champ perdant de plus en plus de leur netteté (la netteté de la définition n'étant déjà pas évidente au départ, combinant à la fois des oeuvres médiumniques, des créations de bord des routes, de l'art produit par des aliénés, des oeuvres produites par des marginaux, retraités, exclus, dépressifs, êtres en manque affectif, etc.).

      C'est une constatation que je me suis faite ces jours-ci, d'abord suite au colloque "L'art brut, une avant-garde en moins?" organisé par le LaM à l'auditorium de l'INHA à la galerie Colbert à Paris les 7 et 8 décembre derniers, puis en découvrant successivement l'expo consacrée à Fernand Desmoulin par la galerie Christian Berst, rue de Charenton dans le XIIe ardt, ainsi qu'à la lecture du journal de l'exposition "Anatomia metamorphosis" (Galerie ABCD, Montreuil), notamment la notice biographique et les reproductions centrées sur le cas de l'artiste Lubos Plny (là, on peut vraiment parler "d'artiste"). Sans compter l'annonce d'une expo prochaine à la Collection de l'Art Brut à Lausanne (de mars à août 2010) qui se tourne (avec clairvoyance) du côté de deux créateurs d'art brut africains (j'y reviendrai).

Fernand Desmoulin, dessin médiumnique sans titre, mine de plomb sur papier, 1900-1902, expo actuelle à la Galerie Christian Berst (et à la Galerie Christophe Gaillard), du 3 décembre 2009 au 9 janvier 2010

      En effet, l'art brut à mes yeux, dans les premiers temps où je me suis intéressé  à lui (grosso modo à partir de 1980, date à laquelle je suis tombé sur les fascicules de l'art brut dans les locaux de la librairie Artcurial prés des Champs-Elysées), relevait d'une filiation avec les arts populaires qui sautait aux yeux, que ces derniers soient rustiques ou urbains, filiation qui s'établissait en dépit de la rupture évidente au point de vue esthétique entre les oeuvres populaires du passé et celles que Dubuffet et Thévoz défendaient sous le nom d'art brut (rupture esthétique qui était le reflet aussi d'une rupture sociale, les auteurs d'art brut étant des internés, des femmes frustrées, des marginaux de la société, des retraités, des clochards...). J'ai ainsi pu écrire en 1992: "l'art brut (qui est une forme hyper-individualisée et réprimée de la créativité populaire qui survit à l'anéantissement des liens communautaires)" (Bruno Montpied, Formes pures de l'émerveillement, dans Masgot, l'oeuvre énigmatique de François Michaud, éd. Lucien Souny, 1993). Définition qui tapa dans l'oeil de Madeleine Lommel qui me fit l'honneur de la reprendre en citation dans ses ouvrages (avec des coquilles dans la référence, cf la deuxième mouture de son livre où mes phrases sont attribuées à un "Art populaire en France" paru chez Arthaud, il y a là visiblement une confusion avec le livre de Jean Cuisenier du même titre, mais quel honneur qu'on puisse me confondre avec cet ancien conservateur des ATP!).

      Bien sûr au départ dans le corpus des créations rassemblées sous le terme art brut, il y avait déjà, héritées en particulier  des recherches précédentes des surréalistes (André Breton), des créateurs cultivés mêlés à des hommes et des femmes du peuple (notamment chez les médiumniques, que l'on pense au Comte de Tromelin, à Victorien Sardou, à Fernand Desmoulin, peintre post-impressionniste et symboliste, ami de naturalistes comme Emile Zola, peintre aux goûts visionnaires qui eut une brève période de dessin automatique médiumnique entre 1900 et 1902 - voir l'expo actuelle chez Christian Berst, où sont montrés quelques exemples (il y avait déjà eu une expo sur les dessins retrouvés de Desmoulin à la Galerie de Messine à Paris en 2002, organisée par cette dernière conjointement avec l'association ABCD) ; cependant on trouve d'autres créateurs cultivés dans d'autres secteurs de l'art brut comme par exemple Gabritschevsky, Aloïse elle-même, ou Juva, alias le prince Juritzky, ou encore Magali Herrera, fille d'aristocrate et de propriétaire foncier en Uruguay). D'autant que la notion d'art brut cherchait à prouver qu'existait une créativité artistique en dehors du champ artistique reconnu comme tel, en dehors du monde professionnel de l'art. Il fallait, de ce point de vue, ne pas se limiter à des créateurs issus du peuple. Cependant, ces derniers constituaient une bonne proportion dans l'ensemble des créateurs retenus (la majorité probablement). Parmi les internés des asiles psychiatriques, on rencontre ainsi nombre de créateurs issus des classes sociales défavorisées (ce qui paraît logique, le monde du travail est rarement lieu d'épanouissement et d'harmonie, plutôt un champ de bataille).

     Avec l'internationalisation des découvertes de créations associées à l'art brut de Dubuffet, ou à l'art outsider des Anglo-saxons (concept encore plus ouvert que celui d'art brut), ce dernier ayant beaucoup d'influence sur le vacillement amplifié des limites du concept d'art brut, avec le développement de la connaissance de l'art brut américain, anglais, chinois, japonais, slave, sud-américain, bientôt africain, etc., le nombre de créateurs qui pourraient être aussi bien rangés sous la bannière d'un art visionnaire, d'un surréalisme instinctif, ou d'une inspiration cultivée hétéroclite, est en voie d'expansion considérable.

      Le cas de Lubos Plny, artiste découvert par l'association ABCD paraît exemplaire de ces nouveaux cas-frontières. Dessinateur, collagiste, peintre, auteur de performances, intervenant sur son corps par des piercings ou de la couture, qui pourraient relever de ce que l'on nomme ailleurs le body-art, modèle en académie, il paraît être un homme de grande culture artistique. Ceux qui le rangent dans l'art brut semblent le faire en regard de son état - passager? - de schizophrène, associé à une inventivité indéniable. A ce compte-là, Van Gogh, Edvard Munch, pour ne citer que deux artistes du passé, pourraient être eux aussi catalogués rétrospectivement dans l'art brut.

     Ce dernier en vient à signifier un corpus incroyablement hétéroclite de créations tous azimuts (on y incorpore aussi les environnements de bords de routes faits par des autodidactes, secteur où la culture apparaît facteur de distinction marquée cependant entre créateurs, que l'on compare par exemple le facteur Cheval avec le Jardin des Tarots de Niki de Saint-Phalle). Ce corpus contient de plus en plus de véritables oeuvres se confrontant ouvertement au monde de l'art professionnel. L'adjonction,  ces dernières années, de l'art produit par des handicapés mentaux, tels ceux venus de Belgique - issus d'ateliers supervisés par des animateurs dont la culture et le discernement artistiques ne paraissent pas compter pour du beurre... - cette adjonction paraît jouer à plein pour la fusion qui semble se préparer entre art brut et art professionnel. Le colloque sur l'art brut, que je citais au début de cette note, initié par le musée d'art moderne, d'art contemporain et d'art brut de Villeneuve-d'Ascq, a semblé vouloir avancer ce genre de proposition, même si cela n'affleurait qu'entre les lignes, au gré des interventions, elles-mêmes assez hétéroclites ( à l'image du champ actuel de l'art dit brut -de moins en moins "brut" du reste?) de plusieurs étudiants et chercheurs surgis ces dernières années dans le sillage d'un engouement nouveau dans le monde des nouvelles générations de chercheurs. Intégrées à un musée d'arts moderne et contemporain, les oeuvres d'art brut, que les intervenants du colloque disaient avec une hésitation perplexe produites tantôt par des "artistes" tantôt par des "créateurs" (montrant par là que la question de l'usage social de la création dans l'art brut n'est pas prise en compte véritablement par les chercheurs formés avant tout sur un plan esthétique), les oeuvres de l'art brut paraissent devoir être associables dans les prochaines années aux oeuvres des artistes professionnels classés dans l'histoire de l'art, sur le même rayon, en effaçant l'origine sociale, le contexte de production de ces oeuvres(1) (c'est dans ce sens qu'il fallait je crois interpréter les mots "d'avant-garde en moins?": l'art brut aurait pu être une autre avant-garde, une avant-garde oubliée en quelque sorte, selon les concepteurs du titre de ce colloque, idée pour le moins étrange et plutôt erronée). Il se passe peut-être en ce moment le même phénomène de vitrification esthétique, par rapport à l'art brut, que celui qui affecte les objets ethnologiques muséifiés dans un espace peu défini comme le musée du Quai Branly (le fait que ce dernier musée n'ait pas de qualification plus précise est déjà remarquable en soi).

Jean Smilowski, maquette d'avion des années 1940

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(1) Je suis ici en accord avec ce que m'écrivait récemment en privé Mme Bénédicte Lefebvre, gardienne de la mémoire de l'autodidacte Jean Smilowski en tant que présidente de l'Association La Poterne à Lille, qui renâcle avec ses camarades de l'association à la perspective d'offrir toutes les productions de leur protégé à un musée qui ne prendrait pas en charge l'ensemble de cette oeuvre d'art total, véritable environnement. L'approche muséale, privilégiant des accrochages classiques d'oeuvres égrenées sur des cimaises, peut paraître en effet fort réductrice de ce point de vue et peu en accord avec le sens complet de ces créations brutes, déployées dans l'espace de la vie quotidienne, oeuvres indissolublement liées à des comportements marginaux, à des conduites de vie en rupture bien souvent avec l'environnement normalisé. 

Info-Miettes (33)

"Zoographie", sur l'animal dans l'art, à Fontcouverte (Aude)

     Jean-Louis Bigou, l'animateur du blog sur "l'Art Improbable dans l'Aude et ses alentours" (voir en particulier sa note de mars dernier sur les poupées de Mme Ska présentes au musée du Jouet à Figueras en Espagne que l'on avait pu admirer pendant une expo sur "les Poupées" à la Halle St-Pierre il y a quelques années), annonce une expo sur un bestiaire illustré par de "l'art brut", art actuel (pour ne pas dire art contemporain?), art ethnique (pour ne pas dire "art primitif"), pour réfléchir sur les rapports entretenus par l'homme avec l'animal, longtemps considéré comme une machine, incapable de sensibilité et de capacités cognitives, voire d'une certaine forme de conscience. Cela dit, miam c'est bon, le cochon.

De l'individualisme dans l'art populaire, un article d'E.Boussuge dans la revue L'Autre Côté

Sommaire du n°4 de la revue L'Autre Côté.

     Emmanuel Boussuge, dans le n°4 de cette revue qui se consacre à remettre en question une certain nombre de penseurs français consacrés (Foucault, Deleuze, Badiou, etc.), auxquels elle reproche un certain goût pour le vocabulaire abscons et des théories critiquables, a synthétisé deux notes qu'il avait naguère publiées sur ce blog (voir ici et là). Il illustre ses propos comme sur ce blog par des exemples pris dans les croix de chemin, les linteaux du Cantal et les sculptures de François Michaud, tailleur de pierre que j'ai, on s'en souviendra, maintes fois défendu.

      Pour prouver l'individualisme présent dans l'art populaire (et remettre en cause la thèse selon laquelle ce dernier doit être envisagé comme une masse de signes  culturels codifiés uniformes, il serait peut-être plus convaincant de rassembler – dans une somme dont la diversité ferait de fait davantage autorité – d'autres cas d'individualistes créatifs et populaires, pris dans d'autres secteurs de l'art populaire, et pas seulement dans les croix de chemins et autres linteaux.   

    Par ailleurs, on ne peut pas non plus passer sous silence qu'il y a bien de l'uniformité pour une grande part de l'art populaire, en raison de la pression sociale, des habitudes, des règles de l'artisanat, de l'habitude de copier les uns sur les autres, et sur les artistes de la ville que l'on démarquait en les réduisant naïvement... Au sein de la culture artistique populaire, les individualistes, à mon avis, restent des êtres d'exception (Nicolas Bouvier le met particulièrement en lumière dans son livre sur l'art populaire suisse – voir son édition chez Zoé) qui se détachent au milieu d'une production populaire respectueuse de divers "cahiers des charges" (pas nécessairement ennuyeuse du reste, malgré son "uniformité"). 

       Ces individualistes, présents dans différentes catégories d'art populaire, il faut les recenser, avant de passer à la polémique... 

 

Les 40 ans du sauvetage du Manège de Petit Pierre à la Fabuloserie, le 25 mai prochain à Dicy

 

     La Fabuloserie à Dicy (Yonne) communique:

    Pierre Avezard (1909-1992) dit Petit Pierre – atteint d'une maladie génétique qui déforme son visage et rend toute communication orale très difficile – quitte très tôt l'école et travaille comme garçon de ferme. Bricoleur de génie, il crée son Manège avec du bois, de la tôle découpée, des objets de récupération et l'anime grâce à un ingénieux système de courroies et d'engrenages. Le dimanche, le public était accueilli sur le terrain pour découvrir ce chef d’œuvre de l'art populaire. Vieillissant, Petit Pierre ne peut plus en assurer l'entretien et le Manège est en danger.

    Après de nombreuses péripéties, il est accueilli à La Fabuloserie en 1987 par Alain Bourbonnais, qui en entreprend le patient démontage et transport, avec une équipe de bénévoles. Il décède malheureusement l'année suivante et ne verra pas le résultat de ces efforts. En 1989, reconstruit à l'identique et restauré, le Manège est inauguré dans le parc du musée.

 Pour célébrer cette aventure, La Fabuloserie propose une exposition photographique des grands moments de l'épopée et vous invite bien entendu à admirer le manège en activité avec une animation toutes les heures.
    Par ailleurs, le spectacle "Petit Pierre", mis en scène et joué par Maud Hufnagel, se déroulera dans la salle polyvalente du village (10€/adulte ou 5€/enfant en sus à régler sur place avec réservation obligatoire par mail à [e-mail]).

   Enfin, la collection permanente de plus de 1000 œuvres a fait l'objet d'un nouvel accrochage, avec la mise en avant de superbes dessins de Jaber dans le "Tunnel".
  Pour clôturer la journée de façon conviviale, une collation sera offerte aux visiteurs par l'équipe du musée. 

Autocar Paris - Dicy

Samedi 25 mai:
Départ 10h30 Porte d'Orléans (derrière station Total)
retour à Paris vers 20h30.

Réservation obligatoire sur [e-mail]

Chèque 30€/personne (trajet+visite)

à l'ordre de: La Fabuloserie
à adresser :52 rue Jacob 75006 Paris

   

 

 

 

 

    Si l'on vient par ses propres moyens à l'heure du repas, il faut prévoir son pique-nique (solution de repli à l'abri en cas de mauvais temps). Un autocar depuis Paris est prévu (voir ci-contre), mais je ne sais s'il reste encore des places.

Pascale Roux et Sarah V. chez Alain Dettinger à Lyon

     Alain Dettinger est un grand défenseur des artistes féminines, comme on sait. J'ai reçu deux nouveaux cartons illustrant ce fait. L'un reproduit un dessin à l'encre sur carton intitulé "Santa Rata penada" (Sainte rate punie?) de Pascale Roux, faisant partie d'une expo sur le thème de "l'amour à mort", curieuse image semblant représenter une sorte de chauve-souris aux ailes tatouées de silhouettes masculines (d'anciens amants?), des enfants la flanquant de part et d'autre, un autre lui sortant  par le bas...

Pascale Roux, Santa Rata Penada, 100 x 70 cm, encre sur carton, 2018.

    L'autre, me plaisant davantage, reproduit comme une vulve sublimée par des couleurs vaporeuses, résultant d'un dessin aux crayons de couleur, cependant intitulé "Ventre glacier"... Là, l'expo a deux thèmes: "Vierges ouvrantes" et "traversées". Tout un programme...

Sarah V., Ventre glacier, 34 x 34 cm, crayons de couleur sur papier, 2018.

 

Du samedi 8 juin au 29 juin 2019, 4 place Gailleton, Lyon 2e ardt, tél [phone].

Une grande exposition de plasticiens contemporains et singuliers à la Coopérative Collection Cérès Franco à Montolieu, "Croqueurs d'étoiles"

Vue extérieure de la Coopérative Collection Cérès Franco, photo © Jacques-Yves Gucia.

 

   Françoise Monnin, par ailleurs rédactrice en chef de la revue Artension, est commissaire d'exposition à Montolieu (Aude) pour une expo réunissant 86 artistes sur le thème du voyage dans la Lune (nous sommes à 50 ans de l'arrivée de l'homme sur la Lune en 1969 ; une autre expo, très différente, et il faut bien le dire, bien moins vivante, est aussi montée sur le même thème au Gand Palais à Paris), conçu de manière extensive, tourné davantage sur l'évocation imaginaire et métaphorique de l'astre. L'expo est intitulée "Croqueurs d'étoiles". Car l'adage ne le dit-il pas, les artistes ont la tête dans les étoiles...

    Il y a à boire et à manger dans ce rassemblement, mais si l'on se fonde sur la mosaïque affichée sur le site web de la Coopérative, l'ensemble reste fort stimulant. Voici un tout petit choix (on se réfère au lien à la ligne précédente pour en découvrir plus) :

Art populaire mexicain, sans titre, bois peint, Collection Cérès Franco.

Mirabelle Dors, Consensus, Plâtre et pâte fixés sur bois, 38 x 45 x 2 cm, 1975, Collection Cérès Franco.

Eli Malvina Heil (il me semble que cet artiste a été montré au Musée de la Création franche de Bègles, me trompé-je?), sans titre, peinture vinylique sur toile, 55 x 73 cm, 1974, Collection Cérès Franco.

 

Jeannine Mongillat, Sans titre, collage et papier mâché, 24 x 34 x 9cm, 1990, Collection Cérès Franco.

 

    On y aperçoit en particulier un large panorama des nouvelles créations d'André Robillard, qui, à l'évidence, ne sont plus de son seul fait, et bénéficient de l'aide souterraine du collectionneur qui le mécène. Robillard, ce n'est plus de l'art brut, mais une nouvelle forme d'art contemporain ayant couché avec l'art brut, quelque chose d'hybride. Le langage autonome de Robillard se brouille dans ces réalisations un peu trop maîtrisées, je trouve.

André Robillard (et autres?), OVNI Fusée martienne, 15 x 39 cm, 2012, collection particulière.

 

André Robillard (et autres?), Soucoupe volante, 150 x 350 x 350 cm, feutres sur bois, 2008, collection particulière.

André Robillard (et autres?) et une partie de ses assemblages, 1999-2019, collection particulière photo © FL-Alain Machelidon

"Les Croqueurs d'étoiles", Coopérative collection Cérès Franco, Montolieu, du 20 avril au 3 novembre 2019. 

Jano Pesset à l'Atelier-Musée Fernand Michel à Montpellier tout l'été

    Paris avait pu admirer certaines de ses oeuvres il n'y a pas si longtemps à la

3 L'auteur des ”Barbus Müller” démasqué ! (3e chapitre) ; une enquête de Bruno Montpied, avec l'aide de Régis Gayraud

Traque aux archives... La silhouette de l'auteur des "Barbus" se précise...

 

      Antoine Berthoule Rabany, dit "le zouave", qui va se révéler être un cultivateur, et Antoine Rabany Séran, dit le "jeune", tailleur de profession... disais-je à la fin de mon deuxième chapitre : ces noms recouvriraient-ils le(s) nom(s) de l'auteur – ou des auteurs – des Barbus?

       Régis Gayraud et moi nous plongeons alors en même temps, quoiqu'à distance, dans une rubrique des Archives départementales qui est, elle, consultable en ligne, disponible pour tout chercheur amateur, sans besoin de sortir de chez soi  : le recensement par communes, consultable jusqu'aux dates précédant la Grande Guerre. Puisque nous avons repéré des propriétaires de la parcelle jusqu'en 1907 au moins, autant regarder l'année de recensement la plus proche, et voir s'ils y figurent avec des renseignements complémentaires à leur propos. C'est le recensement de 1911 qui s'offre à nous... Nous égrenons une liste de noms assez longue, retranchant rapidement tous ceux qui habitent dans des villages ou des hameaux limitrophes du village principal de Chambon-sur-Lac (je rappelle que ce village est distant de quelques centaines de mètres du lac Chambon, lac qui en était probablement à cette période d'avant-guerre à ses premiers balbutiements touristiques). Sur cette liste de recensement, nous retrouvons rapidement les deux personnages cités dans les matrices cadastrales.

      Antoine Rabany dit le jeune, tailleur de profession, né en 1849, habite avec une certaine Nancy Séran, couturière, sa deuxième épouse (Antoine est un veuf, comme sa seconde femme d'ailleurs)  et son beau-fils, Alphonse Besson, né en 1898 d'un premier mariage de cette dame Séran (comme Régis le reconstituera ultérieurement grâce aux actes de mariage consultables sur le site Filae).

Page du registre de recensement de la population de Chambon en 1911, donnant les noms des personnes habitant avec Antoine Rabany, dit le "jeune", tailleur...patron... (mais tailleur de vêtements et non pas de pierre... ; né en 1849).

 

      La mention du métier de tailleur, dans un premier temps, nous donnera un espoir : ne s'agissait-il pas d'un tailleur... de pierres? Jusqu'à ce que la mention du métier de sa femme, couturière, et la précision de son métier à lui (tailleur de tissus) sur l'acte de mariage que nous trouverons ensuite, viennent nettement doucher cette hypothèse. Etait-il le plus à même d'avoir sculpté ces statues, avec des doigts de tailleur que l'on imagine fins ? Les deux prénoms identiques – Antoine – nous agiteront un moment également. Quel manque d'originalité de la part des parents, appeler leurs deux fils du même prénom...

     Devant cette déconvenue, il faut explorer la piste d'Antoine l'aîné, plus vieux de cinq ans, puisque né – nous apprend toujours le recensement de 1911 – en 1844, ce qui, entre parenthèses, en 1911, lui confère l'âge, respectable à cette époque, de 67 ans. Ce qui peut le présenter comme un candidat plausible au passe-temps de sculpteur de Barbus... si on le compare à d'autres sculpteurs autodidactes de la même époque (le Facteur Cheval, l'abbé Fouré, François Michaud bien auparavant – né en 1810, ce dernier meurt en 1890), créant à leurs moments de loisirs et plutôt dans leur vieillesse.

Page du recensement de 1911, où l'on trouve les habitants du foyer d'Antoine Rabany (né en 1844). C'est le même qui est surnommé "le zouave" sur le cadastre.

 

     Sur la liste du recensement, il est présenté comme "cultivateur", avec cette précision : "patron". Il est qualifié également de "chef du ménage". Son foyer en 1911 comprend sa femme, Marie Rabany, née en 1850, et ses trois petites-filles, Mélanie (née en 1902, et qui a donc 9 ans en 1911), Marie (née en 1903, qui a 8 ans) et Irma (née en 1907, qui a 4 ans). Des recherches ultérieures que j'effectuerai sur des sites de généalogie, m'apprendront que cet Antoine-là – surnommé "le zouave" dans la matrice cadastrale, sobriquet ayant sans doute servi à le distinguer, dans les papiers administratifs du moins, de son frère, dit le "jeune" – s'est marié avec Marie Berthoule (de son nom de jeune fille) le 25 juillet 1874. Les trois fillettes qui vivent chez lui sont les enfants que son fils Alphonse Rabany (né en 1875) a engendrés avec une certaine Catherine Frappa (qu'il a épousée en 1901 dans la Loire, département voisin du Puy-de-Dôme). Le recensement n'explique bien sûr pas ce que font ces trois fillettes dans le foyer des grands-parents Rabany. Nous n'avons pas retrouvé jusqu'à quel moment leurs parents vécurent (Alphonse Rabany, par ailleurs, était gendarme).  En 1911, cependant, on peut  penser qu'ils étaient encore vivants, au moins l'un des deux. Peut-on imaginer que le père des trois fillettes avait perdu sa femme et qu'il ne se sentait pas de taille à élever ses trois fillettes? Notre imagination bien entendu se met en action...

     Toujours est-il que, parvenus à ce point, nous n'avons toujours pas d'éléments qui permettraient de déterminer de façon certaine si c'est un de ces deux frères qui est bien l'homme qui a, à un moment, rangé, face à la route, des dizaines de sculptures dans le potager de la parcelle 1029, dite de "la Chapelle". Nous sentons que nous brûlons, que nous tournons autour du pot aux roses, mais la vérité se dérobe encore...

Page du Moniteur d'Issoire où est annoncée la vente de "divers immeubles"... 14 novembre 1928.

 

      C'est alors qu'en cherchant par indexation de mots-clés sur un moteur de recherche, je vais faire une découverte importante quant à la détermination du propriétaire unique du potager à la cabane carrée : je tombe sur un encart dans le journal Le Moniteur d'Issoire (du 14 novembre) annonçant en 1928  la vente "sur licitation" de biens et de terrains situés à Chambon-sur-Lac... dont la fameuse parcelle 1029. La licitation des biens d'une succession, c'est la vente aux enchères de ces biens. Cela se passe ainsi quand il y a indivision entre plusieurs propriétaires. Les biens possédés en commun par les héritiers sont ainsi vendus. La vente paraît s'effectuer suite à la demande d'Irma Rabany, la plus jeune des sœurs devenues les héritières de leur père et grand-père. L'adjudication s'effectue aux enchères à la mairie du Chambon-sur-Lac le dimanche 9 décembre 1928. Il s'agit, comme le proclame l'encart, de la vente d'"immeubles" "dépendant des successions d'Alphonse Rabany, époux de Catherine Frappa, et d'Antoine Rabany dit "Le Zouave" décédés au Chambon-sur-Lac". Ce qui implique qu'Antoine "le Zouave" n'a pu mourir qu'avant 1928, de même que son fils Alphonse (les dates de leurs décès ne sont pas données sur cet encart). Dans le jargon juridique pas toujours accessible à tout un chacun, l'annonce de la vente signale que la vente se fait aux noms de requérants et de "poursuivants" qui sont les héritières de ces immeubles en indivision – peut-être depuis plusieurs années? – : Mme Irma Rabany,  épouse Vitti, Mme Mélanie Rabany, épouse Servier et "Mademoiselle" Marie-Joséphine Rabany (sans doute la même qui, dans le recensement de 1911, est appelée "Marie", née  en 1903).

      La parcelle 1029 fait partie de bien liquidés par des héritières qui ont fait et refait leur vie ailleurs qu'à Chambon. Rien n'est dit de possibles sculptures qui seraient vendues avec le terrain, ce sont des "immeubles"  qui sont vendus en effet, et pas des biens meubles...  Cette vente apporte en tout cas une information importante: il n'est plus question dans cette succession du deuxième frère, Antoine Rabany Séran, dit "le jeune".

     Régis Gayraud va creuser la question. Et, toujours en consultant aux Archives Départementales, les matrices cadastrales, les actes d'état-civil, les archives du notaire qui a couvert la vente de 1928, on va apprendre deux autres informations capitales quant à la propriété du jardin aux sculptures du lieu-dit La Chapelle : 1, Antoine Rabany dit le zouave" est devenu seul propriétaire de la parcelle en 1907, et 2, il est mort en 1919, soit à 74 ans. Les biens qu'il possédait sont sans doute naturellement passés entre les mains de son fils Alphonse (sa femme, Marie Berthoule, dont on n'a pas encore retrouvé la date de décès, en ayant peut-être gardé quelque temps l'usufruit?), jusqu'à ce que ce dernier disparaisse lui aussi, événement qui ouvrit la question de la vente des biens en 1928. Une troisième information, légèrement secondaire, mais quelque peu sombre, va surgir des archives notariales consultées par Régis : une des trois petites-filles du "zouave", Mélanie (prénommée exactement "Marie-Mélanie") était en 1928 internée, comme folle, à l'asile Sainte-Marie de Clermont-Ferrand...

    Bon... On sait donc à présent que l'unique propriétaire du jardin aux sculptures, de 1907 à 1919, était un cultivateur nommé Antoine Rabany, dit "le zouave". Mais était-il l'auteur des statues alignées dans le fond de la parcelle ? Car rien ne nous assure véritablement, à cette étape de notre enquête, que les clichés-verre, dont j'ai appris l'existence en 2017 chez le marchand Gilles Minette, ont bien été pris à ces dates? En 1928, le propriétaire qui racheta la parcelle suite à la vente sur licitation, un certain Marius Carriat (fils d'un voisin de la parcelle aux statues), aurait pu être le sculpteur, si l'on estime que les clichés ont pu être réalisés entre 1928 et les années 1930... Question subsidiaire : ces statues, qui ressemblent furieusement à des "Barbus Müller", on n'a pas encore la preuve définitive, en ne se fondant que sur les clichés-verres, et en dépit des ressemblances plausibles de deux ou trois d'entre elles (voir mon ouvrage Le Gazouillis des éléphants), qu'elles peuvent être parfaitement assimilées aux Barbus de Dubuffet...

    Il faudra lire les chapitres suivants pour que ces deux questions trouvent leurs réponses et que tout s'éclaire...

Chambon-sur-Lac, à une date indéterminée, peut-être les années 1930... ; dans le fond, à gauche, on aperçoit la chapelle sépulcrale et le cimetière, mais en dessous, la végétation cache la route de la parcelle... ; à l’arrière-plan, proche de l’horizon, on découvre le lac Chambon ; carte postale, coll. B.M.

 

(Fin du 3e chapitre :