Le voleur des musées (5)

Au musée Jacquemart-André, l'animateur du blog s'exerçant à capter l'esprit des peintures de Füssli, durant l'exposition d'œuvres de ce dernier, autoportrait, 2022.

Du temps où j'avais des intuitions avant "tout le monde", en particulier avant Marc Décimo

     Retrouvée par l'ami Régis Gayraud qui avait dû se rendre en 1987 au Château Guérin de Neuilly-sur-Marne, voici la couverture d'une brochure que j'avais auto-éditée dans les temps héroïques où je fréquentais l'association l'Aracine, à qui la mairie avait laissé à disposition une moitié de ce "Château", à dire vrai un petit hôtel particulier sans cachet spécial au milieu d'un modeste bois. Sa responsable, Madeleine Lommel, m'avait incité à faire une petite conférence sur les Inspirés des bords de route que je commençais à recenser depuis 1983. Je ne faisais pas encore de photos (je ne commençai que l'année suivante) ; en revanche je faisais des films en Super 8, en particulier sur plusieurs sites de créateurs autodidactes. C'est sans doute ce que je projetai lors de cette présentation. Cette mini-conférence tombait bien dans le cadre de l'art brut que l'Aracine avait commencé de collecter depuis 1982, en découvrant de nouveaux créateurs (comme Gaston Mouly ou Maugri) et en cherchant à rameuter des un peu plus connus (Pépé Vignes, Robillard), histoire de refonder en France une collection d'art brut, la "grande", celle de Dubuffet ayant filé en Suisse depuis 1971-1976, au grand désespoir de plusieurs qui auraient aimé que l'art brut continue d'être présenté à demeure dans notre hexagone. De son côté, Alain Bourbonnais avait devancé l'Aracine en ouvrant l'Atelier Jacob de 1972 à 1982 à Saint-Germain-des-Prés, avant de fonder en 82 la Fabuloserie dans l'Yonne, loin de Paris.

Archives et photo Régis Gayraud.

 

      A ceux qui font un peu attention aux livres qui paraissent sur l'art brut et les environnements populaires spontanés, le titre de la brochure (de quelques pages imprimées en photocopie) dira peut-être quelque chose. Il prouve en effet que j'avais devancé de plusieurs années le bouquin de Marc Décimo, intitulé de même "Les Jardins de l'art brut" (1ère édition, 2007)...

      Je n'ose penser que ce dernier aurait eu vent de ma brochure, ce serait trop lui prêter de noires pensées (fut-elle seulement archivée par l'Aracine, je me le demande?). Non, je pense seulement que j'avais avant lui fait le rapprochement qui me paraissait évident entre les jardins et l'art brut. Et ce rapprochement, il le perçut lui aussi, tout bonnement... mais vingt ans plus tard!

      Ayant tardé, pour diverses raisons, à publier mes propres livres, le premier datant de 2011, je ne pouvais décemment intituler celui-ci d'un titre que j'avais inventé bien avant le bouquin décimesque. Las! Je ne suis pas à un titre près. Et j'en ai toujours dans ma hotte, d'aussi frappants, et peut-être même davantage... Eloge des jardins anarchiques (2011), ou Le Gazouillis des éléphants (2017, réédité en 2024), par exemple, en font foi...

Des Pierres qui se remettent à parler

     En 2009, sur ce blog, puis en 2017 dans mon Gazouillis des éléphants (réédité – faut pas que je me lasse de le répéter – en 2024 chez Hoëbeke-Le Sandre, si bien qu'il est toujours disponible si vous le cherchez), j'avais évoqué les pierres peintes à l'encre de Mme Bassieux, une ancienne nonne qui collectait les pierres des chemins pour en révéler les figures qu'elle prétendait y voir. J'avais visité son petit musée à la fin des années 1980 à Dieulefit (le nom de cette bourgade à lui seul annonçait la philosophie de cette visionnaire de campagne), et il m'avait semblé que les images peintes sur ses cailloux, Mme Bassieux les inventait pour une bonne part ex-nihilo (à partir de rien, en bon français), tandis que d'autres restaient davantage du domaine – bien répertorié et décrit par nombre de bons auteurs – de la paranoïa critique à la Dali (première manière, je ne parle pas de la période Avida Dollars), d'une attitude simplement visionnaire en somme, découlant de la perception de formes dans les minéraux, comme tout bon amateur de paréidolies peut en détecter en laissant son inconscient vaticiner à partir d'elles. Chez Mme Bassieux, les images me paraissaient ainsi pour beaucoup plaquées sur ses pierres, sans qu'il y ait eu vision, paréidolie au départ.

Pierres de Marie-Antoinette Bassieux choisies pour leur aspect visionnaire ; photos Bruno Montpied, juillet 2026 au musée Cécile Sabourdy.

 

      Un bon lot de ses pierres a été prêté récemment au musée Cécile Sabourdy, dans un "projet de dépôt", suite à ma recommandation auprès de l'ex-directrice du musée et ma médiation entre elle et la famille (qui s'était manifestée auprès de moi, du reste, via ce blog à la suite de la note mise en lien plus haut). Une première exposition s'y est tenue du 15 novembre 2025 au 19 mars 2026.

Vue d'une partie des salles de l'exposition de 2025-2026 ; photo archives Musée Cécile Sabourdy.

 

     A la suite de cette dernière, quelques exemplaires de ces pierres à images ont été accrochés dans une salle du rez-de-chaussée dans la collection permanente. Elles ont bénéficié des mêmes petits rayonnages qui avaient reçu quelque temps auparavant les bouteilles peintes de Céline et Louis Beynet, autres oeuvres que j'avais poussé le musée à acquérir.

     Les pierres choisies l'ont été en fonction de l'appréhension à sens unique de l'ex-directrice, Stéphanie Birembaut, qui a veillé selon ce que l'on m'en a dit lors de ma récente visite en juillet dernier à leur présentation. A savoir que cette appréhension n'a visé que le côté visionnaire, paréidolique de ces interprétations encrées. Et je peux le comprendre. Pour une conservatrice soucieuse de fasciner le public amené à visiter ces collections, on choisit bien souvent l'angle le plus séduisant, le plus parlant. Et l'esthète en nous penche avant tout vers les travaux d'ordre visionnaire. Mais je le répète, il arrivait aussi à Marie-Antoinette Bassieux de plaquer ses images sur les cailloux, comme si ces derniers n'étaient que des supports lambda, parce qu'elle voulait chanter la création, avant tout divine, selon sa philosophie religieuse. Je me dois de le souligner. Un exemple m'en est fourni par cette pierre où l'on reconnaît une souris en train de grignoter une partition, genre d'image que je crois difficile à halluciner sur une pierre...

Photo archives Marie-Antoinette Bassieux, années 1980.

Cette jeune fille recueillie, là aussi, me paraît posée sans réellement découler de la forme de la pierre, hormis l'aspect ovoïde de son crâne ; le réalisme du dessin, également, ne paraît pas pouvoir être imputé à la matière de la pierre ; ph. B.M., juillet 2026.

Autre exemple de visage "plaqué"... ; cependant, je nuance: en dépit de son côté réaliste, ce visage qui paraît invectiver par son contraste avec la matière dont il est issu reste fort séduisant à regarder ; ph. B.M., juillet 2026.

Trois expositions à voir au musée Cécile Sabourdy cet été

 

       "Effet cocktail" : 

 

    Sont exposés cet été au musée de Vicq-sur-Breuilh (50 kms en dessous de Limoges) Cécile Sabourdy, André Bauchant, Maurice Loirand, Eva Lallement, Germaine Coupet dite Existence, Raymonde et Pierre Petit, Marie-Antoinette Bassieux (voir note à suivre sur ce blog), tous artistes ou créateurs que l'on range dans l'art naïf (ou l'art brut, en ce qui concerne le couple Petit, Eva Lallement étant, elle, à la frontière de l'art singulier). Ce réaccrochage de la collection permanente du musée, au rez-de-chaussée du bâtiment (qui s'est récemment pourvu d'une extension), préfigure, paraît-il, l'orientation muséale de l'année prochaine qui devrait approfondir cet ancrage du côté de l'art naïf. En espérant que ce dernier restera du même (excellent) niveau que les artistes cités ci-dessus. 

    On attend une nouvelle directrice ou un nouveau directeur à Vicq, sa précédente responsable, Stéphanie Birembaut, ayant quitté le musée pour prendre la direction du musée de Rochechouart.

 

Cécile Sabourdy (1893-1970), Dans les tranchées de l'arrière, jeune femme offrant des fruits à nos soldats (14-18), non daté, huile sur toile, collection privée, exposé au musée en 2020 ; photo Bruno Montpied.

 

      "Pierre Albasser de A à Z, 30 ans d'art singulier"

     Le musée propose également une vaste exposition de notre vieil ami adepte de mises en forme picturales sur cartons d'emballage qu'il effectue (effectuait? Car on dirait que les outils sont devenus plus neufs récemment) à l'aide de traceurs usagés.

 

Pierre Albasser, Barilla, 36,5 x 28,5 cm, 2019 (pas forcément exposé à Vicq-sur-Breuilh) ; photo archives Albasser.

 

 

       "L'idiome du village", collection Jean-François Vrod

 

    Des trois expositions, c'est peut-être celle qui a le plus éveillé ma curiosité lors de mon passage à Vicq: il s'agit d'une sélection de créateurs inconnus débusqués par le musicien traditionnaliste et progressiste Jean-François Vrod, que l'on peut classer entre art populaire, art naïf voire art brut. Vrod en effet décèle au sein de ce dernier une composante populaire marquée, et il a bien raison de mon point de vue. J'en parlerai plus largement dans un article à paraître dans le numéro d'Artension à paraître début septembre. Les lecteurs du Poignard ont dû noter que je (re)collabore régulièrement avec ce magazine depuis l'été 2019 (j'y avais en effet participé plusieurs années auparavant, entre 1988 et 1991 environ).

 

Philippe Durand, cinq figurines en bois taillé ; l'auteur a été découvert par Jean-François Vrod dans deux points de vente, situés à Paris et à Mende, d'une coopérative appelée "Artisans et paysans de la Lozère"; photo communication du musée Cécile Sabourdy.

Un monument à Fanny, dans le lieu de naissance de la tradition bouliste

       Il m'arrive de croiser par le quartier de la Croix-Rousse à Lyon, ville bien connue pour le jeu de boules. En feuilletant un ouvrage sur Lyon insolite¹, j'ai été attiré par une page consacrée au lieu de naissance d'une tradition qui m'amuse depuis longtemps et dont j'ai déjà parlé sur ce blog, le baiser sur le fessier de "Fanny" quand on perd 13 à 0 à ce fameux jeu justement. Il aurait existé dans le quartier du Clos Jouve, situé au bout du Boulevard de la Croix-Rousse, une nommée Fanny, à la fin du XIXe siècle, un peu simplette qui acceptait volontiers de relever ses jupes pour présenter son popotin au joueur qui était "fanny", par trop amoureux des formes en 0... Elle aurait fini sa vie tristement dans un asile.

      Si au départ le gage consistait à embrasser un vrai postérieur féminin, on le remplaça bien vite par une effigie chargée de symboliser le fessier devenu introuvable, trop humilié à force de s'exhiber pour le plaisir de goguenards et masculins vainqueurs. Des images furent alors créées au fil du temps, en plusieurs formats et recourant à diverses techniques, sculpture, gravure, photographie, peinture (les plus intéressantes étant les plus naïves). Et la coutume se répandit dans le couloir rhodanien, puis de proche en proche à toute la France. Il existe des représentations de derrières joufflus, à la "Fanny", dans nombre de cercles de boulistes.

Photos Bruno Montpied, 2026.

 

       Au Clos Jouve, cependant, où l'on joue toujours aux boules, on a décidé, en 1987, de faire ériger par une artiste contemporaine de grand talent, Geneviève Böhmer (1928-2016), une statue d'hommage à cette tradition. Cela donne la sphère ajourée ci-dessus. Des mots serpentent au pourtour de la boule: "Fanny 20 ans, Fanny 100 ans, courage, amour, bonheur, colère, audace, pensée, mémoire." Des prénoms féminins ont été également inscrits sur les pétales de la rose d'où émerge le postérieur charnu. Une clé spéciale permet d'ouvrir une fenêtre pour accéder au cul, permettant ainsi aux boulistes infortunés (?) de sacrifier à leur dévotion popotine.

La clé ouvrant la fenêtre de Fanny.

Une Fanny en plomb, le derrière pudiquement voilé d'une culotte cependant très transparente; ph. et coll. B.M.

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¹Nadège Druzkowski, Lyon insolite et méconnu, p.119, Éditions Jonglez, Versailles, 2020.

Le chant des intervalles: le site de Fred en lisière de Paris

      Ma camarade Arielle va dans des lieux où je ne vais guère, comme cette fois où elle est allée voir un espace de street artistes fourré dans le soubassement d'une arche de périphérique (ou de bretelle de périphérique, je ne sais plus), du côté du XIXe arrondissement, grâce à la munificente (!) générosité de la Ville... Mais elle connaît ma curiosité pour des créations insolites de plein air. En sortant de ce local, face à lui, son regard a été récemment aimanté par une énigmatique installation.

 

A première vue, l'énigme de l'autre côté de la rue ; ph. Bruno Montpied, 2025.

On se rapproche... Mais qu'est-ce donc? ; ph. B.M., 2025.

 

       Qu'était-ce? Qu'est-ce que ces casiers peinturlurés de vives couleurs signifiaient, placés sur un talus à la pente prononcée, pratiquement imperceptibles du moins de la part des conducteurs d'autos qui passent sur cette bretelle de périphérique plutôt à vive allure, pressés de se retrouver ailleurs (les lieux ne prêtent en effet nullement à la délectation esthétique)? En échangeant par sms et bientôt téléphone avec Arielle, j'évoquai une écriture peut-être, faite de caractères carrés, destinée à prendre lisibilité depuis les airs... Pure divagation! Elle, elle sortait d'un milieu de street artistes. N'était-ce pas tout bonnement une création gratuite d'un quelconque membre de cette honorable confrérie? Derrière ce terrain pentu, bel exemple d'espace interstitiel où souvent des marginaux s'installent, au risque de se polluer gravement les poumons des vapeurs d'essence passablement concentrées en de tels endroits, on discerne des bungalows de style Algeco où s'étalent tags et graffs.

Les bungalows tagués ; ph. B.M., 2025.

En se rapprochant toujours plus... ; p. B.M., 2025.

 

       En se rapprochant, en examinant ces casiers à travers les grillages de clôture, nous finîmes par nous rapprocher de la vérité. Lequel d'entre nous (nous avions aussi demandé à mon ombre favorite, le sieur Régis Gayraud, mon omniscient assistant, qu'il m'arrive d'appeler familièrement "Dieu" de ce fait, de nous accompagner) formula le premier l'idée que ces casiers étaient en fait des carrés de culture (je penchais pour un jardin partagé)...? Une culture dans les deux sens du mot! Régis pointa du doigt, pour étayer l'hypothèse, une grande tige de tournesol fané qui émergeait d'un des carrés. Les herbes folles avaient envahi la plupart des zones délimitées, si bien qu'on pouvait croire à un abandon du lieu. La rencontre qui allait suivre avec l'animateur du lieu allait nous convaincre que cet apparent délaissement n'était que temporaire, avant tout dû à la saison hivernale.

 

En détaillant les différents carrés, on se rendit compte qu'ils renfermaient, parfois dans des secondes délimitations en croix, voire en damier, des espaces où l'on faisait pousser des légumes, et même, par endroits des arbustes fruitiers ; ph. B.M., 2025.

Dans ce carré-ci, les sous-délimitations de zones de culture apparaissent plus nettement ; ph. B.M., 2025.

 

      Il nous apparaissait évident que pour en savoir plus, il fallait contourner le lieu et tenter de nous y introduire par l'arrière, du côté des Algeco précisément. Ce que nous fîmes allégrement. C'était un foyer des Restos du Cœur qui était au-dessus, à ce que nous constatâmes rapidement. Nous eûmes le bonheur de tomber sur un monsieur qui voulut bien, suite à nos questions sur les fameux carrés peints, appeler l'auteur – car il y avait un auteur... Et nous vîmes surgir un grand gaillard, prénommé Fred, souriant, coiffé d'une insolite casquette de capitaine de navire, heureux de nous servir de guide spontané vers le jardin du talus. Il avait eu l'idée, apparemment seul, de créer en cet endroit abandonné, propriété de la SNCF (alors que le terrain des Restos est propriété de la Ville de Paris, ce qui occasionne des divergences de points de vue sur qui doit entretenir quoi...), pour le transformer de friche-dépotoir, à l'origine, en jardin potager et verger dont les productions allaient parfois améliorer l'ordinaire des Restos du Cœur dont Fred, champion de générosité, était de surcroît l'un des bénévoles. Il avait su tirer un parti pratique de la pente facilitant peut-être le travail de la terre du fait de l'inclination du sol (?). C'était donc bien un jardin... qu'il partageait à sa manière, un "jardin partagé", initiative spontanée venue d'un seul individu...

 

Fred, "l'artiste", le démiurge, fondateur du jardin "partagé" sauvage de cette Porte de la Villette ; ph. B.M. 2025.

Conversation au sommet, face aux buildings moches du pourtour parisien, Fred et l'auteur de ces lignes ; ph. Régis Gayraud, 2025.

La pente facilite-t-elle le travail de la terre? ; ph. B.M., 2025.

 

       Faire pousser des légumes ou des fruits ne lui avait pas suffi, il avait décidé de copieusement peinturlurer les cadres en bois, issus d'anciennes palettes, et c'était cela qui signifiait sa joie d'avoir su métamorphoser toute cette insignifiance en havre de fécondité. Est-ce de ma part, notation morbide ou tout au contraire soulignement de la permanence d'une culture caribéenne (Fred est martiniquais) où la mort n'est pas vue comme la fin d'un chemin mais le début d'un autre, comme ce jardin est la métamorphose d'un lieu de mort en lieu de vie : est-ce que certains  rectangles de culture n'évoquaient pas, aussi, certaines tombes, notamment vaudou?

Puis-je interpréter ces croix au chevet de ces rectangles et carrés de potager comme des marques funéraires? ; à noter aussi l'allée de bois peint qui fait figure de terrasse permettant au jardinier de circuler plus aisément et de niveau ; ph.B.M., 2025.

L'atelier de Boris Vian et l'appartement attenant de Jacques Prévert Cité Véron à Paris en péril...

     Paris et péril ont tendance à se confondre, pas seulement homophoniquement... J'apprends que le Moulin Rouge, propriétaire des maisons où vécurent les trois satrapes, Boris Vian, Jacques Prévert et un chien ami des deux, voudrait effacer ces lieux du paysage parisien. Une pétition contre cela est à signer!

https://c.org/n8DkjtXCLh

Robert Forestier (alias Robert Véreux), une peinture imitant un tableau du Douanier Rousseau, faisant partie des collections de Boris Vian dans son atelier de la Cité Véron. 

Le voleur des musées (3), au "Neubau" et au "Kunstmuseum" de Bâle

     Le Neubau à Bâle, ça ne veut pas dire le nœud beau, selon une plaisante homophonie. C'est en réalité le "nouveau bâtiment", construit à côté du Kunstmuseum de la ville, aux fins d'y abriter, à ce que je crus comprendre, en y visitant récemment une exposition consacrée aux fantômes, des expositions temporaires – le musée principal étant consacré à abriter les collections permanentes, où l'on découvre entre autres un magnifique Douanier Rousseau, "La muse inspirant le poète", portrait de Marie Laurencin et d'Apollinaire. Marie Laurencin y apparaît en grosse dondon, ce qui ne manque pas de sel quand on se rappelle qu'elle était plutôt mince en réalité.

Henri Rousseau, dit "Le Douanier", La muse inspirant le poète, 1909, collection permanente du Kunstmuseum de Bâle, ph. Bruno Montpied.

Portrait photographique de Marie Laurencin, publié sur Paris Zig-zag

       

     Je ne parlerai pas ici de cette expo sur les fantômes que j'ai chroniquée pour Artension (numéro à paraitre en janvier). Non, mais il y avait au bout de l'expo, ou du moins en marge de l'expo et plutôt dans le bâtiment de la collection permanente, un curieux tableau. Mon attention fut attirée sur lui à la suite d'une question que j'adressai à la conférencière qui me guidait durant ma visite des "fantômes". Je lui avais dit qu'il ne m'aurait pas étonné que des membres du personnel de surveillance du musée aient fini par voir à leur tour des fantômes, en particulier la nuit, à force de déambuler seuls dans les grandes salles passablement dépouillées et, il faut bien le dire, assez austères du musée. Ce genre de vision affecte souvent, je pense, plusieurs employés – notamment les plus sensibles et imaginatifs – qui travaillent seuls en nocturne dans des grands établissements. Je me souviens ainsi d'une femme de ménage antillaise qui m'avait confié ne pas pouvoir travailler seule, à la tombée de la nuit, dans l'école qu'elle était chargée de nettoyer après la fréquentation des élèves.

     La conférencière me répondit instantanément en me signalant un curieux tableau qui avait en effet résulté d'une imagination d'un membre des vigiles – dont le musée malencontreusement n'avait pas retenu le nom,  ce que je trouve symptomatique d'une certaine condescendance à l'égard de ceux qui se mêlent de s'exprimer sans en avoir le titre –, tableau qui était accroché à part, et ce tout de même depuis au moins cinquante ans,  sur un mur du rez-de-chaussée du musée principal.

        Le voici :

 

Anonyme (un surveillant du Kunstmuseum de Bâle), sans titre (le fantôme du musée), vers 1960-1970 ; ph. B.M.

Adieu Jacqueline, mais que le musée de Laduz renaisse à présent!

Le voleur des musées (2: le musée alsacien et ses dégorgeoirs)

     A Strasbourg, il y a une vieille, vieille maison qui est le siège du musée alsacien. Il partage, je crois, avec le musée Arlaten, à Arles, le privilège d'être une des toutes premières collections d'art populaire à avoir recueilli des objets par delà le collectage des coutumes, des contes, des chansons traditionnelles, c'est-à-dire par delà l'aspect immatériel du patrimoine populaire. Cette maison est splendide, sur le quai Saint-Nicolas qui borde la rivière l'Ill. Le centre ville est juste de l'autre côté.

Deux photos de la cour intérieure du musée Alsacien de Strasbourg, avec un sonneur de cloche (peut-être en provenance d'un beffroi?), photos Bruno Montpied, 2017.

 

      Parmi les nombreuses pièces conservées, j'ai eu plaisir à retomber sur des mascarons que j'avais découverts au préalable dans un album pour la jeunesse de Philippe Fix, visant à l'intéresser à l'histoire, intitulé Il y a cent ans déjà (voir ICI ce qu'en dit l'auteur, ainsi que l'illustration que j'avais photographiée, ci-contre).

        "Mascarons" n'est du reste pas le terme idoine, on parle plutôt en l'occurrence de "déversoirs" ou "dégorgeoirs" de moulins, voire même de "dégueuloirs".

Différents types de masques-dégorgeoirs tel que reproduits dans le n°3 du Cabinet de l'amateur ("Effroyables gardiens, figures protectrices de moulins dans le Rhin supérieur, musée Alsacien", éditions des musées de Strasbourg, 2015), collection d'albums brochés consacrés à divers sujets insolites.

 

     Ces visages plus ou moins grotesques auraient très bien pu ne pas exister. On aurait pu se contenter de mettre de simples issues en bois pour laisser s'écouler le son que l'on séparait de la farine. Mais on avait besoin de créer ces figures pour éloigner les esprits maléfiques toujours prêts à abîmer les productions des hommes, en l'occurrence en y instillant le poison de l'ergot de seigle, responsable du "mal des ardents". Ces figurations cependant devaient aussi amuser les sculpteurs et les propriétaires des moulins, mobile de type ludique que l'on ne met pas toujours suffisamment en avant dans les motifs de création.

Cartel explicatif sur les dégorgeoirs au musée Alsacien, reprenant l'illustration de Philippe Fix ; ph.B.M.

Trois exemples de dégorgeoirs au musée Alsacien, ph. B.M., 2017.

 

       A noter que la collection de dégorgeoirs du musée Alsacien (ouvert en 1907) fut constituée grâce à Robert Forrer, l'un des créateurs du musée. Il en parla dès 1889 dans la Revue alsacienne illustrée, date où l'on commençait chez les ethnographes à étudier de près la culture matérielle populaire (je remercie Valérie Rousseau d'avoir attiré ma curiosité sur ce point).

Parmi d'autres objets au musée Alsacien, cette collection de dossiers de chaises... On dira "ben oui, ce sont des chaises, quoi, que nous demandez-vous d'admirer là?" Précisément, la profusion et la variété des motifs décoratifs de ces chaises me paraît  admirable, par ce goût de varier l'esthétique des meubles, souci "inutile" selon le point de vue utilitariste courant, mais selon moi, au contraire, bien utile puisqu'il contribue à enchanter la vie quotidienne.

Alicia Lasne à la Halle Saint-Pierre et à l'Atelier Véron

      Pour sa nouvelle exposition de rentrée ("L'étoffe des rêves"), la Halle Saint-Pierre présente des créations textiles d'auteurs variés. Ce n'est pas sans me rappeler une autre expo qui s'appelait "Sur le fil", organisée par Pascal Saumade et Barnabé Mons à la Folie Wazemmes à Lille, il y a quelques années (en 2009 exactement), qui avait fait le choix, dans la perspective de "l'art modeste", de ne pas se limiter à des créations d'artistes, mais aussi de montrer des créations pas nécessairement "artistiques", comme des canevas par exemple, ou des tissus brodés créés au sein d'un collectif de créatrices serbes. A la Halle, il me semble (l'expo n'est pas encore commencée au moment où j'écris ces lignes), ce ne seront qu'œuvres d'artistes, se revendiquant comme tels.

       Au sein de ce projet, on retrouvera dès le 11 septembre, date du vernissage, en particulier les broderies, choisies ici en fonction de leurs plus grandes dimensions, d'Alicia Lasne, cette jeune artiste qu'on peut bien qualifier de "brute", étant donné son statut d'autodidacte, ou de "singulière", étant donné le fait qu'elle cherche à exposer, à la différence des bruts qui pondent sans se soucier pour qui ils pondent. Elle expose parallèlement depuis le 21 août – date bien "goupillée", pour une durée s'étendant jusqu'au 28 septembre – à l'Atelier Véron, première galerie à l'avoir défendue, et lieu que j'ai fortement tendance à soutenir, en particulier parce qu'ils sont montmartrois comme moi, et que nous avons pas mal de goûts en commun, par exemple cette artiste rouennaise, Alicia, sur qui j'ai commis un article dans l'Artension de juillet-août dernier (n°192).

Article de B Montpied sur Alicia Lasne dans Artension n°192.

Exposée à l'Atelier Véron

Alicia Lasne, broderie exposée à la Halle Saint-Pierre.

      Influencée par les arts textiles péruviens, son iconographie élabore tout un discours "philosophique" tournant autour de la figure mythique sud-américaine de la Pachamama, sorte de mère-nature que l'autrice trouve de plus en plus agressée, au fur et à mesure des atteintes aux forêts, au réchauffement climatique, aux viols de l'industrie minière.

     Beaucoup des travaux d'Alicia sont disponibles à l'Atelier Véron qui achète la majorité de ses productions.

      A noter, de surplus, une autre créatrice qui sera présente aussi sur les cimaises de la Halle Saint-Pierre, Polly Vogel, dont l'Atelier Véron avait eu déjà l'occasion d'exposer quelques-uns de ses "monstres sauvages".

Alicia Lasne, sans titre, broderie et accessoires incorporés (des pois chiches par exemple), 60x50 cm, 2025 ; ph. et Coll. B.M.

Polly Vogel, monstres sauvages, ph. B.M.

Le voleur des musées (1: le musée Daubigny)

       Pas mal d'esprits que je juge comme chagrins trouvent pénibles ces visiteurs qui dans les musées ou les expositions multiplient les photos devant les œuvres. Il est vrai que certains paraissent se contenter de cette opération dans l'approche des tableaux ou des statues, ayant un besoin viscéral, dirait-on, d'interposer leur appareil photo entre l'œuvre et leur regard, comme par nécessité d'imposer une interface.

    D'autres procèdent différemment, comme mézigue par exemple. J'opère des ponctions sur les cimaises, je prélève, je "vole" les œuvres qui me concernent, me surprennent, me parlent de préférence aux autres. J'ai donc décidé de commencer sur ce blog à rassembler quelques artefacts qui ont fait l'objet de ma fascination, ou ont simplement attiré mon attention. J'ai en effet multiplié les visites à des musées et expositions tous ces derniers mois.

 

Le musée Daubigny et l'art naïf

     A priori, Charles-François Daubigny (1818-1878), connu pour être un des fondateurs de l'Ecole de Barbizon, ne fait pas partie des peintres qui me séduisent beaucoup. Sa peinture paysagiste très sérieuse, très solide, est même plutôt ennuyeuse, sauf si l'on est des pays qu'il a représentés et que l'on veuille y retrouver des indices et des souvenirs capables de construire l'histoire de ces pays familiers (comme lorsque l'on voit ce paysage d'Auvers-sur-Oise privés d'arbres, datant d'un passé bien moins végétalisé). Son musée est sis à Auvers-sur-Oise où il avait son atelier, que je n'ai pas pu visiter faute d'être tombé le bon jour de visite. Cette maison-atelier recèle des peintures murales, paraît-il, réalisées avec d'autres amis peintres (Corot par exemple) et aussi  des enfants, dont son fils, Karl. C'était cela que j'aurais voulu voir, sans grande conviction non plus. Autre fait que je souhaitais vérifier, c'est pourquoi un département d'art naïf, qui est incrusté dans la collection permanente du musée, ne fait pas l'objet d'une présentation à l'exemple des tableaux de Daubigny. Je savais pourtant, pour l'avoir appris du site internet du lieu, que le musée est avant tout consacré au peintre d'Auvers. Et l'information me fut répétée par la sympathique conservatrice du lieu, Mme Agnès Saulnier-Chemin. La présence de la collection d'art naïf ne peut faire l'objet que de très partielles extractions au gré des expositions temporaires. Comme c'était le cas à l'occasion de l'expo qui se tenait le jour de ma visite, "Âmes animales". Une minuscule salle, un cabinet plutôt, montrait en effet un tableau de Bernard Vercruyce, des gravures de Corneille (qui s'est installé à Auvers et s'y est fait enterrer, non loin de la double tombe des frères Van Gogh) - mais peut-être fais-je une erreur, les gravures en question étant montrées dans une salle précédente ? - et aussi un fort beau tableau d'une inconnue au bataillon des peintres naïfs, Louise Gattet.

Louise Gattet, Le Salon des chats, gouache sur bois, 1998, musée Daubigny, don de l'artiste ; ph. (compressée) Bruno Montpied.

 

     Cette collection d'art naïf mériterait de faire l'objet d'une exposition complète au moins une fois, en laissant un catalogue disponible après coup pour les curieux. Il existe deux autres peintres intéressants en son sein, André Salaün, mort il y a vingt ans, et Bernard Vercruyce, qui vit je crois aujourd'hui à Auvers, grand spécialiste de la peinture de chats.

André Salaün, La Chope la nuit, musée Daubigny.

Les collections d'art brut ne sont pas toutes pareilles

      L'exposition de 402 œuvres de la collection d'art brut de Bruno Decharme, tirée de sa donation récente au MNAM du Centre Georges Pompidou – ce qui correspond à un peu moins de la moitié de la totalité des oeuvres données –, et présentée cet été au Grand Palais rénové, pourrait faire croire au public qui n'a jamais entendu parler d'art brut qu'elle représente la seule collection d'art brut existante. Or, des collections d'art brut, il en est plusieurs, et de couleurs variées. Les contours de la notion étant de plus assez flous – l'autorité centrale qui était autrefois représentée par Dubuffet, l'inventeur de la notion et du terme, puis par Michel Thévoz, premier conservateur de la collection d'art brut donnée par Dubuffet à la ville de Lausanne, ayant grandement lâché du lest sur les autorisations d'étiqueter brut ou pas –, cela a encouragé depuis déjà quelques décennies les collectionneurs, les galeries, les artistes eux-mêmes à étiqueter bruts à tout va toutes sortes de productions. Il y a plusieurs arts bruts ainsi. Leur point commun restant est que l'on a toujours affaire à des non professionnels de l'art, sans formation artistique, sans référence à l'histoire de l'art passé ou contemporain. Mais l'on trouve désormais un art brut plus austère, peu sensuel, dépressif, à côté d'autres arts bruts plus tournés vers l'enfance, l'humour, la fantaisie, la plaisanterie, au nombre desquels on peut ranger la catégorie des environnements populaires spontanés toujours difficiles à classer, dans l'art brut ou dans l'art naïf, son frère ennemi.

       En même temps (ou du moins, durant ce même été mais sur une partie plus courte), que  l'exposition Decharme, se tenait (ça se termine dans cinq jours, le 26 juillet) une exposition intitulée "Vent d'art brut" sur l'île d'Oléron, à Saint-Pierre-d'Oléron précisément, regroupant plusieurs événements, projections, conférence, ateliers, expo... C'est l'association Art brut en compagnie, animée par Alain Moreau – dont la collection constitue le noyau central des divers lieux de monstration –, qui est à la baguette.

     J'ai déjà eu l'occasion de parler de cette association, qui avait déjà monté une expo au Fort de Vaise à Lyon il y a peu (2022).

Vue d'une salle au Fort de Vaise en 2022, exposition d'Art Brut en compagnie, avec des œuvres, entre autres, de René Guisset, de Raymonde et Pierre Petit (toutes sur la table), et sur les murs, de Monique Le Chapelain, d'Yvonne Robert, d'Oscar Haus, de Pépé Vignes... tous créateurs que je collectionne comme Alain Moreau... ; ph Bruno Montpied, 2022.

 

     On y retrouvait diverses pièces qui sont montrées aussi à "Vent d'art brut", comme par exemple Monique Le Chapelain avec cet "oiseau éventail" de 1995:

      L'exposition de Saint-Pierre d'Oléron était dispatchée dans divers lieux, mais l'un d'eux, le château de Bonnemie, se posait en place principale.

Le Château de Bonnemie ; ph.B.M. 2025.

 

      Joli espace, dans un grand parc, on y verrait bien s'installer un permanent musée d'art d'autodidactes bruts et naïfs...

       Il y a une incontestable fraîcheur d'inspiration dans les créateurs que recherche Alain Moreau (que je soupçonne parfois de regarder attentivement mon blog!). Comme par exemple dans le cas de Vivi Fortin, dont j'ai parlé sur cette colonne en 2019 (mais qui avait été primitivement décelé sur le blog "Les Grigris de Sophie", soyons honnête de le reconnaître...). Divers volatiles  ouvrent et ferment  le parcours, tandis qu'un portrait du chanteur Renaud se dissimule dans un coin (voir ci-contre).

      Mais les manèges à la poétique fragilité de René Guisset, les soi-disant "jouets" de Raymonde et Pierre Petit – distribués dans l'expo sur une table, en une ronde qui a pris bien soin de les individualiser –, restituent des échos d'enfance, comme on en rencontre aussi au musée des Amoureux d'Angélique, autre collection d'art populaire ou brut ingénu que j'ai eu souvent l'occasion de défendre ici même et dans mes articles d'Artension. Ce qui résumerait peut-être d'un seul mot ce genre de collection, c'est le mot naïf de fait! Une collection d'art brut NAÏF... Le genre de mot qui ferait sauter en l'air les thuriféraires de l'art brut épris d'orthodoxie, thuriféraires qui ces temps-ci ont tendance à basculer dans l'oeuvre brute ennuyeuse, tristounette, dépressive, à base de striures de mots et de numérotations en nuage (comme il y en a beaucoup au Grand Palais justement). Personnellement, le lettrisme sauvage, auquel s'ajoute une passion pour le gribouillage (Dan Miller) ou l'embrouillamini (Judith Scott), aurait furieusement tendance à me tirer d'effroyables bâillements. Ce n'est que mon point de vue que je ne force personne à partager.

Emile Ratier, sur le banc à l'arrière-plan, les manèges de René Guisset au centre de la table, et les joyeux véhicules de Raymonde et Pierre Petit au pourtour ; exposition "Vent d'art brut", Château de Bonnemie, ph. B.M., 2025.

 

    J'éprouve plus de joie à contempler les œuvres d'Emile Ratier, les lièges de Gironella, les poétiques compositions de Patrick Chapelière, les sensibles peintures acryliques de Louis Poulain, les arabesques de Martha Grünewald, les involontaires charges d'Yves Jules (qui me donne souvent l'impression de construire un immense jeu de massacre des diverses personnalités aperçues dans les media), ou les drolatiques saynètes légendées de la paysanne Yvonne Robert (que l'on me permette de glisser ci-après une toile que je possède d'elle, tout à fait remarquable, et qui ne fut pas exposée à Oléron donc).

Yvonne Robert, La Raison du plus fort, huile sur toile, 46x55 cm, 1976 ; ph. et coll. B.M. (ancienne collection Francis Lichon).

Exposition "Vent d'art brut", sur les marches du château de Bonnemie ; Alain Moreau dialogue avec un journaliste de la feuille locale, "le Littoral": "Vous savez, moi, ce que j'aime, ce sont les créateurs d'instinct... Et comme moi-même, je suis gouverné aussi par l'instinct, on s'entend fort bien, eux et moi..." ; ph. B.M., 2025.

Et, pour finir, une petite remarque facétieuse: Alain Moreau n'y a pas songé, mais un "vent", dans le langage familier, ce peut être aussi un pet... Quelque ennemi de cette manifestation pourrait user de cette synonymie afin de la brocarder... Du danger de choisir vite ses titres...

"L'art du peuple", un mini film chez Konbini TV sur trois inspirés, en présence du sciapode...

film réalisation Mathieu Habasque

Une après-midi pour découvrir Germaine Coupet, dite "Existence", et le livre sur elle de Martine Willot

       Le 31 mai, à l'auditorium de la Halle Saint-Pierre, à 15h, se tiendra une présentation visant à faire découvrir une écrivaine et une peintre naïve et populaire originaire du Limousin, Germaine Coupet, surnommée Existence (1892-1952) par ses amis Henri-Pierre Roché et Franz Hessel.

Portrait photographique d'Existence par Man Ray.

 

        Bergère, aventureuse, n'ayant guère froid aux yeux, modèle à Montparnasse (photographiée par Man Ray), elle avait gardé au cœur la nostalgie de son enfance âpre et trépidante, fauchée aussi, passé dans son cher Limousin, non loin de Saint-Léonard de Noblat dans les années du début XXe siècle, en un temps où la civilisation rurale était d'un autre âge, comme d'un autre pays, distinct de celui des villes. Cela rejaillit dans deux nouvelles, écrites avec force et authenticité, publiées dans les années 1930, "Village" et "Didi".

Existence, portrait de sa mère, Catherine, raconteuse et forte personnalité...

 

     Les éditions Plein Chant, en 2006, avaient déjà confié aux deux chercheurs passionnés des peintres naïfs montmartrois, Bertrand et Martine Willot, éditeurs de diverses biographies de ces peintres à l'enseigne de La Vie d'Artiste, le soin de présenter ces nouvelles de Germaine Coupet, assorties des souvenirs de sa sœur Céline.

Dans la collection Voix d'en bas, chère à Edmond Thomas des éditions Plein Chant...

 

      A peu d'années de cela, en allant visiter le musée Cécile Sabourdy à Vicq-sur-Breuilh, au sud de Limoges, j'avais été surpris de tomber, à côté de tableaux de naïfs fort valables, comme ceux de Cécile Sabourdy, autre peintre limousine, mais aussi de Maurice Loirand, de Bauchant, ou encore de Robert Masduraud, sur des œuvres d'Existence, à l'univers à la fois délicat et rugueux. Ce musée de Vicq sur Breuilh possède en effet, venus d'une collection particulière (et donc pas présents dans la collection permanente si j'ai bien compris), des tableaux de notre ex-bergère. Cette dernière mania ainsi deux moyens d'expression, l'écriture et la peinture, tous deux au service de l'évocation de la vie d'autrefois telle qu'elle l'avait connue dans sa jeunesse. Les deux moyens se complètent harmonieusement en effet, mais le phénomène n'est pas si fréquent chez les créatifs prolétaires.

Existence, portrait de groupe dans la verdure.

Existence, jeux d'enfants (roulade sur une colline).

 

      Paru cette année, Dite Existence, une amie de Jules et Jim, par Martine Willot, aux éditions La Vie d'Artiste, revient sur la biographie de Germaine Coupet, apportant de passionnants nouveaux développements sur ses liens, en particulier, avec l'écrivain Henri-Pierre Roché, l'auteur du roman Jules et Jim, porté au cinéma on le sait par François Truffaut, et avec son camarade Jules, l'écrivain allemand Franz Hessel, l'auteur des chroniques intitulées Flâneries parisiennes, entre autres. C'est à eux qu'elle dut son surnom, qu'elle adopta pour signer ses peintures.

Le livre de Martine Willot, Dite Existence, une amie de Jules et Jim, éditions La Vie d'Artiste AWD.

 

     C'est donc à la suite de cet ouvrage que Martine Willot, secondée par une conteuse, Frida Morrone (de la compagnie Astolfo sulla luna), qui lira des passages des nouvelles d'Existence, et avec mon soutien (pour passer des reproductions des peintures et dessins d'Existence, en la mettant en regard avec d'autres peintres naïfs, pour souligner points communs et différences), vient à la Halle Saint-Pierre le 31 mai pour le défendre.

      Mon intervention, en marge de celle de Martine Willot, vise à lancer un signe à nouveau à tous ceux qui n’ont pas abandonné l’idée de continuer de s’intéresser au corpus vaste et hétéroclite de l’art naïf, genre d’art autodidacte qui a été supplanté (injustement) par la vogue de l’art brut depuis quelques décennies. L’art naïf insolite et de qualité (à distinguer de l’art naïf mièvre et gentillet) a toujours quelque chose à nous dire.

Existence, La promenade du petit-maître (l'image pourrait facilement illustrer le passage où Existence évoque dans Village cette promenade d'enfant étouffé par son environnement bourgeois corseté).

Un inspiré à la Dominique, l'art brut est décidément mondial

Site à la Dominique, comme un couple couvert de sucre glace ;  photo Pascal Hecker, 2025.

    

       Je dois avouer que j'étais dans un état second lorsque l'ami Pascal Hecker m'a appelé pour commenter une volée de photos (prises par lui, je crois, mais ne n'en suis plus tout à fait sûr) représentant des éléments de décor insolites, situés très près de la bordure de route, quelque part sur l'île de la Dominique, endroit paradisiaque où il semble être allé pérégriner ces derniers temps. Cela se situe aux Caraïbes, entre la Guadeloupe et la Martinique, cette Dominique, qui fut une colonie britannique et qui est désormais indépendante, restant cependant membre du Commonwealth. Pascal s'est trouvé surpris de découvrir un ensemble de petits édifices munis pour certains de croix, comme si on était dans un cimetière, et pour d'autres flanqués de sorte de clochetons protubérants.

Photo P.H., 2025.

"Next door" est-il inscrit sur une porte, comme pour indiquer une autre entrée... de W-C? Ou d'une chambre d'une sorte de motel bizarre? Ou de l'entrée d'un lieu sacré, une fontaine consacrée par exemple? ; ph. Pascal Hecker, 2025.

 

       Une sorte de tour de Babel sommaire, à moins qu'il ne s'agisse d'une tour de Pise redressée (par l'auteur n'ayant pas perçu ce détail, ou bien ayant sciemment voulu la redresser?) se tient très près de la route, ayant en outre une petite sœur à un autre endroit (voir ci-dessus). 

Tour de Babel? ; ph. P.H., 2025.

 

       Autres curiosités au sein de ce complexe d'inspiré dominicain, on trouve des statues. Outre le couple couvert de sucre glace que j'ai incrusté au début de cette note, on relève aussi une statue de boxeur (il me semble bien), peut-être une réminiscence de l'ancienne activité du propriétaire? Elle jouxte une statue orange de femme ailée dont le photographe n'a pas daigné nous fournir l'apparence côté face...

Le boxeur à la carrure maousse ; ph. P.H., 2025

Le dos de la femme ailée - levant les bras? - qui me fait penser à une statue qui lui ressemblait, sorte de harpie, dans le jardin de statues naïves de Martial Besse dans le Lot-et-Garonne (voir le Gazouillis des éléphants et Eloge des Jardins anarchiques) ; ph. P.H., 2025.

 

      Cela ne s'arrête pas là, on peut aussi voir sous une sorte d'avancée de toit un autre couple de statues, façonnée d'une manière tout aussi brute que les autres, et pas couvertes de peinture cette fois.

Comme un couple de gardiens... ; ph. P.H., 2025.

 

      Et, à d'autres endroits, on aperçoit également des éléments d'architecture qui font un peu songer à des ornements mauresques, comme un souvenir d'influence hispanique?

Une arche à laquelle je trouve une vague ressemblance avec de l'ornementation de palais arabo-andalou... ; ph. P. Hecker, 2025.

Audi, Oh dis...

     Il paraît, à ce que m'a dit Régis Gayraud, mon correspondant spécialiste des bagnoles en tous genres et toutes époques, que chez Audi, marque allemande je crois, ils ne comprennent pas trop pourquoi une certaine gamme de tutures de chez eux ne se vend que modérément en France.  C'est pourtant pas très difficile à comprendre lorsqu'on découvre le sous-titre desdits bolides, semblant vouloir rivaliser avec les meilleures de nos productions intestinales...

   !

La cabane sauvage de Nicolae (un petit Richard Greaves en plein Paris)

      Décidément depuis quelque temps, peut-être du fait de la grande tolérance, de la municipalité et des pouvoirs publics, il paraît normal de voir se multiplier des initiatives architecturées sauvages en plein espace public. J'ai déjà parlé sur ce blog ou sur Instagram d'autres créations dues à des SDF et autres marginaux (je pense notamment à Papillon qui était Gare de l'Est, évoqué sur mon profil Instagram ("Zoufi54") à la date du 4 mai 2022 (voir ci-contre), ou bien encore à Michel Godin des Mers, qui réclamait par le truchement d'une voile hissée entre deux vélos un logement gratuit pour tous). Dès que je peux, je photographie leurs invraisemblables constructions réalisées à même la rue, en l'occurrence ici par-dessus, semble-t-il, un équipement du mobilier urbain qui a servi de fondation en quelque sorte. Boulevard Raspail, entre l'immeuble de verre de Jean Nouvel conçu pour la Fondation Cartier (qui va bientôt déménager), et de l'autre côté du boulevard, deux écoles d'architectures (l'école Camondo et l'Ecole Spéciale d'Architecture), extraordinaire et ironique pied de nez à l'architecture et à la culture savantes en somme, se dresse actuellement la première cabane de bidonville à étage que je connaisse à Paris... Cela représente un saut qualitatif certain dans l'architecture précaire et sauvage en milieu urbain.

 

La cabane de Nicolae, photos Bruno Montpied, 26 décembre 2024 ; comme il est demandé sur un panonceau rédigé à la demande du constructeur, j'ai laissé un peu de sous dans une corbeille pour remercier d'avoir pris ces photos, sans être bien assuré que cette menue monnaie, exposée au vu et au su de tous les passants, ne soit pas dérobée, car je n'ai vu personne le jour de mon passage...

 

      L'auteur paraît se prénommer Nicolae, diminutif Nico. Prénom qui sonne roumain ou moldave. Il y a des inscriptions à plusieurs endroits de la cabane, assez hétéroclites et désordonnées, un peu comme l'architecture de l'ensemble, fait de bric et de broc, à l'aide de clous et de planchettes, d'accessoires récupérés, tout en paraissant solide. On pense inévitablement aux cabanes, certes infiniment plus développées, de guingois, qu'avaient édifiées au Canada l'artiste Richard Greaves, avant de les abandonner à un sort "aléatoire" (voir ci-contre une photo de Mario Del Curto montrant la "Maison des Trois petits cochons").

 

La cabane de Nicolae de profil, avec des inscriptions au ras du sol, où le prénom d'Elvis, Presley sans doute, revient une première fois (il est répété ailleurs aussi) ; des boîtiers de DVD sont collés ici et là sur le mur, avec d'autres formes comme placées au petit bonheur ; on voit que la base, peinte en mauve, est une construction déjà présente sur le trottoir, dont l'auteur s'est servi comme base par détournement de fonction ; comme on le voit aussi, il y a un escalier desservant un étage qui éloigne probablement l'occupant de la rue et de ses possibles importuns ; ph. B.M., 2024.

L'aspect hasardeux des montants de l'escalier, qui me font penser plus particulièrement à Richard Greaves ; ph. B.M., 2024.

 

      La cabane proprement dite est précédée d'une installation qui ressemble à une sorte de préambule à trois dimensions, à mi chemin d'un parasol de plage et d'un arbre de Noël. Une inscription, dans un français maladroit, annonce deux fois sous deux orthographes différentes et toutes deux approximatives, "LAGE DE NOIE", et "LARRE.B NOOE", qui, à mon avis, désignent peut-être un "Arbre de Noël" (nous étions le lendemain de Noël). Arbre de Noël qui peut avoir été figuré par le panneau peint en vert qui supporte la deuxième inscription.

ph. B.M., 2024.

 

     Au milieu de cette installation au sein de laquelle trône une grosse peluche rouge, l'auteur a posé un panonceau, signé Nico, s'adressant aux visiteurs, probablement rédigé avec l'aide d'une bonne âme et réclamant un peu d'aide. Un peu plus loin, avant la cabane, on découvre également une table surmontée d'une caisse sur laquelle repose un plateau hérissé de flûtes peintes en blanc : instrument de musique? Œuvre d'art? Difficile de se prononcer...

Ph. B.M., 2024

 

Merci à Juliette et Jean-Louis Cerisier qui ont attiré mon attention sur ce lieu.

Qui a occulté les jolis taureaux naïfs de l'ancienne boucherie de la rue Mouffetard?

    AVANT... 

La devanture de l'ancienne boucherie du 6 rue Mouffetard, Paris Ve ardt ; photos Bruno Montpied, 2001.

 

APRÈS (aujourd'hui)...

La même devanture vingt-trois ans plus tard...  ; ph. B.M., 2024.

 

     Je n'étais pas repassé depuis belle lurette rue Mouffetard, à la hauteur de la place de la Contrescarpe, mais je devine que la modification (un gommage?) intervenue sur la façade du n°6 de la rue n'a pu intervenir que depuis peu... Le rouge de la façade étant encore présent, comme monté au front de l'immeuble sous l'affront subi.

     Qui a osé ce crime de lèse-majesté ayant consisté à nous effacer un signe de poésie primesautière de plus, pourtant en place depuis des décennies au cœur même du vieux Paris? Quel obscur vandale a-t-il occulté ces magnifiques taureaux et moutons, vestiges d'un ancien commerce de boucherie ? Le cercle des amateurs du vieux Paris populaire a-t-il eu une éclipse dans sa vigilance? On aimerait le savoir et surtout se consoler en pensant que les bovidés et ovins ont été mis en lieu sûr dans un quelconque musée Carnavalet...

    Paris s'en va, Paris s'efface, mais jusqu'à où et quand ? Et ne pense-t-on pas à nos braves touristes étrangers qui aiment davantage Paris que les Parisiens eux-mêmes et qui ne verront plus ce détail, pourtant un de ceux qui font de la capitale une curiosité pittoresque, un de ces témoins d'une autre vie quotidienne où la poésie pouvait être vécue aussi bien par le populo que par les bourgeois?

 

Des Zoulous et de la céramique, une rencontre inattendue

       Les découvertes prennent place au hasard des balades dans les rues. Cette fois, cela s'est passé un jour de haute solitude comme j'en ai le secret. Je baguenaudais autour de la rue de Richelieu, et venais de rejoindre la rue Sainte-Anne, aux restaurants japonais et coréens que j'ai toujours envie d'essayer les uns après les autres, tant ils sont promesses de délices gustatifs. Et, je tombai plutôt ce jour-là sur des céramiques qui s'exhibaient derrière la vitrine d'une boutique d'orfèvrerie et d'argenterie, s'intitulant "Galerie" (...Isabelle Turquin), et qui avait été autrefois, apparemment, une pharmacie, puisque l'enseigne en lettres dorées existait toujours. Une affiche subsistait sur la porte d'entrée, annonçant une exposition qui s'était achevée début novembre, de "céramiques zouloues", en provenance d'un Atelier Ardmore sur lequel on ne pouvait recueillir la moindre précision supplémentaire (pour en savoir un peu plus, il faut aller sur le site web de ladite galerie).

Photo Bruno Montpied, 2024.

 

     Les deux zèbres aux étranges couvre-chefs, ressemblant à des crabes, me frappèrent tout de suite. Et mes yeux éberlués dérivèrent alors, comme sujets à une aimantation, vers de non moins étranges pièces de vaisselle, brocs et vases, plats et pots, théières et soupières, saladier... aux rutilantes couleurs, et surtout "criblées", surmontées, d'animaux fort réalistement sculptés et peints, gambadant à leurs pourtours, en cabrioles parfois, recroquevillés en anses, tels les animaux de Barnard Palissy à la Renaissance qui, dans ses très rares plats de terre vernissée retrouvés, dont se sont inspirés nombre de suiveurs du XVIIe au XIXe siècle (tels qu'on en voit par exemple au Musée Dupuy-Mestreau, à Saintes, ville où vécut Palissy ; voir ci-contre un plat photographié par moi audit Musée), n'hésitait pas à en faire surgir plantes et animaux en relief.

On appela ces créations de céramique des "rustiques figulines".

 

Un broc en céramique zouloue derrière la vitrine de la galerie Isabelle Turquin, dont l'anse est formée d'un singe ; ph. B.M.., 2024.

Une soupière chevauchée par des éléphants que l'on imagine facilement en train de gazouiller... ; ph.B.M., 2024.

 

     Il y a quelque chose des prémices de l'Art Nouveau dans ce baroquisme-là. Les céramiques zouloues, venues d'un atelier d'Afrique du Sud, participent à mon sens de cette "rusticité"-là. Il y a quelque chose aussi du surréalisme et de son rapport aux objets devenus "à fonctionnement symbolique" durant les années 1930, dans cette utilisation d'effigies d'animaux africains, acrobatiquement assemblés et fusionnant comme autant d'éléments esthétiques libérés de leurs représentations habituelles, manipulés avec une grande souplesse, loin de tout réalisme en dépit de leur apparence de détail. On peut détailler le catalogue de cette exposition passée de la galerie de la rue Sainte-Anne (qui doit pouvoir montrer encore sur rendez-vous diverses pièces de cette céramique fort originale) en cliquant sur le lien des céramiques zouloues que j'ai placé plus haut dans cette note. Il mène directement au catalogue en pdf. Allez, je suis pas chien, je vous le remets ici aussi.

Soupière aux panthères et théière avec gazelles; ph. B.M., 2024

Saladier cerné de singes ; ph. B.M., 2024.

"Le Gazouillis des éléphants", avec ses 305 inspirés des bords de route, reparaît ce jour!

      On a envie de prendre un grand portevoix pour clamer: Oyez! Oyez! Le Gazouillis des éléphants, vous l'aviez demandé, eh bien, le voici enfin qui reparaît, sous une livrée d'une autre couleur, histoire de marquer le passage du temps. C'est une réédition, il fallait l'indiquer par cette nouvelle couverture de teinte aubergine, et aussi en accomplissant une mise à jour de quelques informations, ce qui justifie qu'il soit marqué justement "édition revue et mise à jour". Il n'y a pas – je m'empresse de le préciser, car la question va m'être posée – de sites supplémentaires par rapport à la 1ère édition qui datait de 2017. Cela sera peut-être pour plus tard, "Le Gazouillis des éléphants, le supplément". Non, ici, on a des dates, des états actualisés de certains sites (dans la mesure où j'en fus informé, notamment par divers correspondants), un nom rétabli (Antoine Rabany, le sculpteur de certains Barbus Müller), des coquilles (rares) corrigées, la bibliographie légèrement augmentée, des choses comme ça...

 

Le communiqué de presse...

 

     Le livre est relié plus solidement, la couverture n'est plus feutrée, mais plus lisse (et peut-être un chouïa plus rigide), je dirais, mais les caractères dorés des titres et sous-titres ressortent avec plus de contraste sur ce fond violet (teinte aubergine, pour être précis). L'éditeur est Hoëbeke, qui appartient au groupe Gallimard, et les éditions du Sandre co-éditent. La maquette, la mise en pages n'ont pas changé. Je pense, je le souhaite, que cette nouvelle mouture sera encore plus diffusée que la première édition. De ce fait, tous ceux qui le recherchaient ne devraient pas avoir de mal, désormais, à en trouver un exemplaire...

Roger Mercier (1926-2018), Poséidon et les sirènes, "Le Château de Bresse et Castille", à Damerey (Bourgogne) ; ce site serait visitable après demande en mairie... information de 2020 (exemple de mise à jour informative dans cette nouvelle édition, dans un domaine qui évolue perpétuellement) ; photo Bruno Montpied, 2013.

Le phare perdu de Montparnasse

      Il était pour de faux, paraît-il, mais il nous éclairait poétiquement... Ce phare de la rue Castagnary, le long des voies de chemin de fer de la Gare de Montparnasse, démoli en 2017 était une sorte d'enseigne pour le commerce de poissonnerie situé en dessous. Il y avait un marin pêcheur en mannequin à ses pieds et il portait une inscription à calembour assez fin je trouve, à ce qu'a rapporté un certain Philippe Chain de l'association Paris Breton: "Les Bretons sont tous frères car ils n'ont Quimper". Las! Il a fallu rayer de la carte ce petit monument insolite, décalé dans le décor urbain environnant (tout en ayant un sens lié à son emplacement géographique), pour construire à la place des  logements.

     Les traces des Bretons à Paris s'effaçent, paraît-il, de plus en plus autour de cette gare de l'ouest.

Rue Castagnary, XIVe arrondissement, Paris.

Il semble que ce phare décoratif était une réplique d'un phare du Croisic.

Après le Pont Travesti, le Galion évanoui...

       Je continue à vous parler des lieux poétiques que l'on fait disparaître sans coup férir... 

     Il y a pas mal d'années (40 ans?), je me souviens d'avoir découvert un peu par hasard un restaurant au décor poétique, sa thématique étant incontestablement maritime. Il s'appelait, me semble-t-il, le Galion, et tout dans sa décoration était en rapport avec ce type de navire. Il y avait des gros filins et cordages en guise de rampes, des sortes de hublots donnant sur la mer (en photo), des ancres peut-être, des voiles, des tentures. Le patron n'était pas pour autant un pirate et il n'y avait pas de malle au trésor cachée dans un coin, même si mon imagination a tendance  à en rajouter pour combler les trous dans mon souvenir incertain du lieu.

      J'aime toujours ce genre d'endroits, comme le bistrot A l'Éléphant qui se trouvait Boulevard Beaumarchais, non loin de la Bastille, dont le décor était aussi assez obsessionnel, systématiquement en rapport avec le pachyderme (appliques en forme d'éléphant, photos d'éléphants, éléphants sculptés en frise au-dessus du bar – l'ai-je rêvé ? –, éléphants minuscules sur les serviettes?, etc.). Je ne sais ce qui avait motivé les propriétaires, un mixte  de la légende (ou de la véridique anecdote?) de l'éléphant s'étant échappé d'un cirque (le Cirque d'Hiver tout proche?) et de l'éléphant ayant autrefois existé, en plâtre, éphémère, sur la place également toute proche de la Bastille, ce même éléphant à l'abri duquel Gavroche se cache dans les Misérables de Victor Hugo... Il a été effacé en tout cas, lui aussi.

     Ces lieux à thème décoratif poétique ont tendance décidément à disparaître, emportés par un asséchement imaginatif caractérisé propre aux nouveaux commerçants dont les mentalités volent au ras des pâquerettes. Le Galion, qu'en reste-t-il aujourd'hui? Rien du tout. Un restaurant turc a pris sa place et je gage qu'on y rêve beaucoup moins... C'était rue du Faubourg Saint-Denis, dans le 10e arrondissement...

 

Le Galion était à l'emplacement de l'actuel Grill Istanbul, sur la gauche de la photo (sous la flèche), tout près de la Gare de l'Est. Photo Bruno Montpied, octobre 2024.

Jacques Brunius sur France-Culture bientôt

     Voici que dans les archives sonores de France-Culture, on annonce à une heure très matinale la rediffusion d'une émission de 1983 sur Jacques Brunius. Jugez-en plutôt ci-dessous. Ce sera l'occasion d'en apprendre plus sur ce sympathique surréaliste anglophile, touche à tout génial comme disait André Breton, collectionneur d'art insolite, grand curieux de toutes sortes de créations inopinées, cinéaste inventif (Violons d'Ingres, c'est lui), acteur, collagiste, critique de cinéma. J'en ai souvent parlé sur ce blog.

 

Jacques Brunius dans le rôle de Fouché dans La Belle Espionne de Raoul Walsh.

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Nuit du vendredi 11 octobre au samedi 12 octobre 2024

 04:27 - 06:37 Les samedis de France Culture - A la recherche de Brunius (1ère diffusion : 07/05/1983)

Par Paule Chavasse et Jean-Pierre Pagliano - Avec André Bay, Yannick Bellon, Louis Bloncourt, Anne Cottance, Marguerite Fawdry, Roland Penrose, Paul Grimault, Claude Heymann, Ado Kyrou, Pierre Prévert, Michel Laclos, Lucien Logette, Marc Maurette, Jean Mitry et Claude Roy - Avec en archives, les voix de Jacques Prévert et de Jacques Brunius dans la dernière émission des "Français parlent aux Français" (BBC) - Textes de Jacques Prévert, Lewis Carroll et Jacques Brunius - Interprétation Michel Bouquet, Pierre Delbon, René Farabet, Dominique Jayr, Michaël Lonsdale, Jean Topart et Maurice Travail - Réalisation Christine Berlamont.

Comptine lue par le sciapode à partir d'un recueil de comptains, comptines, formulettes et autres nursery ryhmes recueillis par Jacques Brunius (inédit?)

 

Photo d'Eli Lotar en off du tournage (1936) de Partie de Campagne de Jean Renoir, avec les acteurs principaux, dont le deuxième à partir de la gauche, Brunius, et la troisième, Sylvia Bataille. Le film ne sortit qu'en 1946.

Une trouvaille dans un bar alsacien par Darnish

Henri Rogy, L'Oiseau de France, 1912 ; photo Darnish, 2024.

 

     Grâces soient rendues à l'œil aiguisé de l'ami Darnish qui m'a transmis la photo ci-dessus, d'après un tableau déniché dans les toilettes (!) d'un bar de Strasbourg. Où se cache l'art naïf? Dans des recoins dédaignés, dirait-on.

     Que dire de cette peinture, à part le fait qu'elle paraît représenter des Alsaciens saluant le passage d'un aéroplane venu de la France non occupée par les Prussiens, regardé avec les yeux de Chimène par des habitants nostalgiques de la France, la scène se déroulant au pied du poteau de frontière – datant de 1871! – entre ce dernier pays et le Reich allemand, ce dernier ayant annexé l'Alsace et une partie de la Lorraine, suite à la guerre perdue par Napoléon III.

   1912... Encore deux ans, et la guerre se rallumera, avec pour conséquence la reprise de l'Alsace et de la Lorraine dépecée, en 1918 (jusqu'à la guerre suivante, pour quelques années de plus d'annexion). En 1912, les rapports avec l'Allemagne sont tendus depuis 1905. La Lorraine n'est pas totalement occupée, tandis que Metz, qui apparaît sous forme de pancarte dans ce tableau, l'est (voir la carte ci-contre avec la frontière en jaune qui matérialise le découpage postérieur à la guerre de 1870).

 

 

      Des peintres prennent à cette époque le sujet de la revanche contre l'Allemagne pour sujet. Comme un certain Alfred Bettannier  (Metz, 1851 - Paris, 1932) qui réalise quelques tableaux marquants  comme La Conquête de la Lorraine en 1910 ou encore... Oiseau de France en 1912. "Oiseau de France", c'est précisément le titre du tableau retrouvé à Strasbourg. Tiens, tiens...

     Il s'avère que le tableau de ce titre, de Bettannier, montre la même saynète. Il a été visiblement édité en carte postale et a dû beaucoup circuler, en particulier en Lorraine au début de la décennie des années 1910. Rogy l'a démarqué sans l'ombre d'un doute, dans une attitude fréquente chez les artistes populaires (j'ai évoqué déjà sur ce blog le cas d'un certain Kobus qui sculptait des panneaux en bas-relief d'après des gravures). Voici la carte (en noir et blanc) du tableau de Bettannier:

Alfred Bettannier, Reproduction photomécanique du tableau (original non localisé) L'Oiseau de France, Salon des Artistes français de 1912. ; cette reproduction sur papier est conservée au musée municipal de Nuits Saint-Georges.

Alfred Bettannier, L'Oiseau de France, 1912 ; reproduction trouvable sur Wikipédia...visiblement du tableau original.

 

      Confronter les deux oeuvres permet de mesurer la différence entre la fraîcheur stylisée de l'art naïf et la banalité de l'art réaliste. On dirait aussi deux interprétations de classe vis-à-vis de mêmes gens réunis dans une même saynète. D'un côté, Rogy voit des gens simples (je dénombre 14 personnages dont deux enfants en avant du groupe, les pieds chaussés, les visages étant sommairement dessinés, les corps étant plutôt raides), là où Bettannier campe plutôt des gens respectables (je dénombre un peu plus de personnages: 18), certes choisis dans plusieurs catégories de la population (on voit un curé, des paysans, des garçons de la campagne en arrière-plan, avec les deux enfants de l'avant-plan qui sont pieds nus, cela dit, tous personnages peints avec souci du détail).

   J'ajoute ci-après l'explication figurant dans la notice de la POP (Plateforme Ouverte du Patrimoine), qui commente la reproduction d'après Bettannier : 

    " "C'est un oiseau qui vient de France" est une chanson revancharde évoquant l'annexion par l'Allemagne de l'Alsace-Lorraine, créée en 1885 par Camille Soubise (paroles) et Frédéric Boissière (musique). Elle conte l'espoir rendu à une fillette et un vieillard par l'arrivée en Alsace d'une hirondelle venue de France. En 1912, le sentiment "anti-allemand" est encore présent et la chanson très populaire, au point que le peintre français Albert Bettannier expose au Salon des Artistes Français le tableau reproduit ici, sous le titre "L'Oiseau de France". Il s'agit d'une mise en images de la chanson, dans laquelle on reconnaît la petite fille et le vieil homme, figurés avec d'autres Alsaciens à la frontière séparant l'Alsace de la France. Ce n'est pas un oiseau qui leur redonne l'espoir, mais un avion français. Car c'est aux alentours de l'année 1910 que l'aviation fait son entrée dans les armées européennes. La nouvelle machine de guerre incarne, ici, la possible reconquête des terres perdues."

Trois environnements à visiter en Charente dans le cadre des Journées du Patrimoine

https://openagenda.com/fr/region-nouvelle-aquitaine-journ...

   Le 22 septembre, l'Inventaire du Patrimoine Nouvelle-Aquitaine organise, pour tous ceux que la découverte des environnements populaires spontanés intéresse, une journée de visite à trois sites emblématiques de la Charente, ceux de Gabriel Albert, à Nantillé, d'Ismaël et Guy Villéger, auteurs des décors en mosaïque de la "Maison de la Gaieté" à Chérac, et le Musée d'Loulou d'André Degorças à Genté (au dessous de Cognac). La visite se réserve, il y a un repas au milieu de la journée, le départ se faisant depuis la gare de la belle ville de Saintes. Toutes les informations utiles sont à retrouver dans le lien que j'ai mis en tête de cette note. Ci-dessous des images prises par mes soins de ces trois sites (où André Degorças est le seul créateur encore vivant à pouvoir être rencontré, en espérant que cela ne le fatigue pas trop ; à signaler qu'il met en vente sur place certaines de ses œuvres).

Un aspect du jardin de Gabriel Albert, visite d'août 2023, photo Bruno Montpied.

La Maison de la Gaieté d'Ismaël et Guy Villéger, ph. B.M., août 2023.

La Maison de la Gaieté, panneau explicatif sur l'histoire de ce cabaret champêtre, ph. B.M., août 2023.

Vue générale, depuis la rue, du Musée d'Loulou d'André Degorças, avec, à droite, la grange où se cache entre autres un ensemble de Martiens (Loulou disant en avoir rencontré), Genté, ph.B.M., novembre 2022.

Présences (et absences) arabes au Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris

      Je suis allé visiter la nouvelle exposition du MAMVP, curieux de voir quels artistes étaient proposés dans ce panorama de l'art moderne dans les pays arabes entre 1908 et 1988. J'avais été alléché, je dois dire, par quelques noms jetés de-ci, de-là, dans les informations traînant sur le Net. J'y avais pointé quelques noms familiers, Baya, Jaber (oui, Jaber!), Chaïbia (qui fut défendue, me semble-t-il, par Cérès Franco dans sa galerie L'Œil de Bœuf, rue Quincampoix, à Paris, dans les années 1980), Fahrelnissa Zeid (une artiste d'origine turque, entre autres amie de Charles Estienne qui était un critique d'art proche des surréalistes à l'époque du tachisme dans les années 1950), Abdul Kader El Janaby (un surréaliste d'origine irakienne dont j'ai croisé superficiellement la route dans les années 1980), le Tunisien Gouider Triki (dont j'avais admiré il y a plusieurs décennies, à l'Institut du Monde arabe, des peintures fort séduisantes et originales), etc. Il y était question aussi du surréalisme en Egypte...

 

Baya (1931-1998), Femme en orange et cheval bleu, gouache, crayon graphite et encre sur papier marouflé sur carton, vers 1947, collection du LaM de Villeneuve-d'Ascq, Donation de l'Aracine ; exposé dans une alcôve à part dans "Présences arabes". 

Baya, terres cuites peintes, de gauche à droite: Janus vert et rouge, 1947, Bête noire et rouge, 1947, Femme candélabre, 1948 ; exposées dans "Présences arabes", MAMVdP ; ces terres cuites seulement peintes sont à rapprocher des terres cuites vernissées que l'on trouve (ou trouvait) à un moment dans d'autre spays du Maghreb, comme la Tunisie (voir ci-dessous), où existent (existaient?) des communautés villageoises où l'on pratiquait la poterie décorée de motifs naïfs (stylisés) ; comme le signalait très justement  le cartel placé à côté des terres cuites de Baya ci-dessus : ."[e style de Baya], trop souvent interprété comme de l'art brut, est une manière raffinée de revisiter ses souvenirs d'enfance de la Kabylie, sa végétation, ses contes et son artisanat, mais aussi les femmes qui lui ont transmis cet héritage. " ; cette association de Baya à l'art brut est assez proche d'autres cas, où l'on ne veut pas reconnaître dans des œuvres singulières la trace renouvelée de l'inventivité populaire anonyme (ou pas) appliquée à des expressions modestement diffusées, bien souvent circonscrites aux cercles de communautés restreintes, comme les sculptures en roche volcanique par exemple d'Antoine Rabany dans le Puy-de-Dôme, qui se retrouvèrent trente ans après la mort de leur auteur enrôlées dans l'art brut sous le vocable de "Barbus Müller", pourvus d'une aura de mystère lié à leur anonymat (provisoire, jusqu'à ce que je les rapporte à leur véritable auteur en 2017-2018) ; photo Bruno Montpied.

Art populaire tunisien, travail de femme dans un village reculé, acquis par le couple Cerisier lors d'un séjour en Tunisie dans les années 1980 ; ph. et collection B.M (ce n'est évidemment pas exposé dans "Présences arabes").

Exposition "Présences arabes", une sculpture de Jaber placée devant un agrandissement d'une photo d'une partie de l'exposition "Singuliers, Bruts ou Naïfs?" qui s'était tenue en 1988 au Musée des enfants, structure éphémère autrefois sise à l'intérieur du MAMVdP ; on y aperçoit d'autres sculptures de Jaber de même type (faites à l'aide de bandes plâtrées surpeintes entourant des objets en infrastructure, sans doute les œuvres les plus abouties et originales parmi toutes celles, souvent passablement bâclées, que réalisa Jaber par la suite), installées devant une peinture de Macréau, avec laquelle les sculptures entretenaient visiblement des  points communs stylistiques en effet, de façon éphémère, cela dit ; le cartel, dans l'expo "Présences arabes", qualifie très étonnamment l'art de Jaber d'"esthétique punk et anarchiste" proche de celle du collectif Le Désir libertaire, installé et actif à Paris à la même époque. Moi qui ai rencontré dans cette même décennie un des membre du DL, dont il est question à un autre endroit dans cette expo du MAMVdP, Abdul Kader El-Janaby, un surréaliste irakien, je ne sais pas si on peut vraiment tant que cela rapprocher les deux démarches... Cela reviendrait à identifier deux  formations culturelles très éloignées l'une de l'autre, et du coup nuire à l'exactitude de l'approche d'un Jaber, bateleur excentrique, délirant histrion des rues, quoiqu'un chouïa matois... ; ph. B.M.

Fahrelnissa Zeid, Alice au pays des merveilles, huile sur toile, 236 x 210 cm; 1952 ; ce n'est pas une œuvre de ce type qui est exposée dans "Présences arabes", mais elle correspond mieux, selon moi, à la période la plus intéressante de Fahrelnissa Zeid lorsqu'elle croisa la route du critique d'art Charles Estienne dans les années 1950 ; cet ami des surréalistes (Breton ou Péret) invita Zeid parmi d'autres (notamment Jan Krizek, Loubchansky, ou Toyen) en villégiatures répétées du côté d'Argenton et de Ploudalmézeau, au point qu'on parla pour ce cénacle informel d'une "École des Abers" (les abers étant les bras de mer de cette côte nord de la Bretagne) ; Toyen, en particulier, qui était sensible à la poésie des bords de mer, y peignit des toiles inspirées par la sublimation des estrans laissés par la marée , j'eus le bonheur d'en voir une, sortie de façon tout à fait primesautière, sans le moindre chichi, du grenier d'une connaissance de Charles Estienne qui me reçut avec deux amis au milieu des années 1990, lors d'un séjour estival en Bretagne.

Sur une table vitrée de l'exposition, des exemplaires de la revue The Moment du groupe néo-surréaliste qui publiait Abdulkader El Janaby, Guy Girard (dont j'ai plusieurs fois parlé sur ce blog), Peter Wood ou encore Stéphane Mahieu (devenu aujourd'hui un 'pataphysicien distingué), pour ne citer que des personnes que j'ai connues (et connais encore pour deux d'entre eux)  ; Abdul Kader El Janaby est évoqué dans l'expo également par des exemplaires de ses "gommages", technique inventée par El Janaby où des stars du cinéma se retrouvent spectralisées du fait de leurs têtes gommées; ph. B.M.

 

    Un point de vue était de temps à autre évoqué dans les cartels et les panneaux explicatifs de cette exposition, à savoir qu'au moment des diverses Indépendances, un certain nombre d'artistes et intellectuels arabes (on a insisté en fait surtout sur des artistes égyptiens, notamment ceux du groupe Art et Liberté fondé par Georges Henein) avaient cherché à se déprendre des influences artistiques occidentales académiques, assimilées aux menées colonialistes, qui se paraient intellectuellement de visions orientalistes consistant à construire des mythes et des clichés plaisant aux esprits occidentaux, peignant "l'Orient" sous des dehors factices, avec ses harems aux femmes désirables et soumises, ses palais de Mille et une nuits, ses vizirs cruels (dont les avatars seraient aujourd'hui les imams nécessairement tous fous de Dieu, clones de Ben Laden, appelant à des croisades terroristes : le mythe de l'Orient enchanté ayant tendance aujourd'hui à se renverser en Enfer aux portes de l'Occident). Les artistes arabes ou orientaux ont cherché à établir cet art indépendant, c'est-à-dire tout neuf, jamais vu jusque là, parfaitement original, sans retomber pour autant dans une tradition et une imprégnation nécessairement islamiques, et pour ce faire, sont allés chercher dans les avant-gardes occidentales, notamment les groupes les plus anticolonialistes, comme les surréalistes, dès la guerre du Riff au Maroc, des stimulations aptes à les libérer des académismes et des dominations coloniales.

Ramsès Younan (1913-1966), tropique du Cancer, vers 1945, huile sur toile, collection particulière, Le Caire ; expo "Présences arabes", MAMVdP, ph. B.M. ; cette toile fait écho au texte des surréalistes égyptiens, "Vive l'art dégénéré!", qui défendait les artistes occidentaux poursuivis par les Nazis ; on retrouve dans la composition des citations de Picasso, Dali et Chirico, voire peut-être des cubistes et des expressionnistes.

 

      L'exposition cependant m'a paru, à moi qui y venais en parfait béotien, plutôt décousue et partiale, de par les échantillons accrochés aux cimaises. Cela partait un peu dans tous les sens, de façon émiettée, fournissant cependant au passage – dans ses marges – des noms intéressant méconnus (par exemple Valentine de Saint-Point, une anti colonialiste et féministe complètement oubliée par nos contrées, ou Gustave-Henri Jossot (1866-1951), caricaturiste anarchiste converti à l'Islam par opposition au colonialisme, auteur de livres particulièrement toniques¹). Il me semble aussi qu'on a oublié de parler dans cette exposition de catégories artistiques telles que l'art dit naïf ou populaire qui représentent pourtant un réservoir fourni d'expressions originales, qui peuvent faire figure de formes d'art spécifiques aux pays des territoires d'Afrique du Nord, voir des pays plus à l'est, vers le Moyen Orient (je pense aux peintures murales des pèlerins égyptiens par exemple).

Fresque à Gourna (Haute-Egypte) peinte sur un lait de chaux et un mortier apposé sur le mur de briques crues par un artiste local afin de permettre à ceux qui sont restés au pays, faute des moyens pour faire le pèlerinage de La Mecque, de se recueillir et de méditer sur des images symboliques liées aux lieux et moyens de transport du pèlerinage ; ph. Hughes Fontaine, extraite du recueil de photos et textes de Hughes Fontaine et Frédérique Fogel, Mémoires des façades, maisons peintes des pèlerins d'Egypte, éditions Twiga, 1992.

Art bruto-naïf contemporain d'Essaouira, découvert par Philippe Saada d'Escale Nomad : Ahmid Gnidila, sans titre (2 hommes se battant), 43x45 cm, gouache aquarellée sur carton, vers 2020 ; ph. et coll. B.M.

 

     Les artistes autodidactes d'Essaouira, dont j'ai eu l'occasion de parler sur ce blog, auraient pu en effet aussi être convoqués, ce qui aurait brillamment illuminé l'exposition, en ne la laissant pas aux seules mains des artistes professionnels. On retrouve là les préjugés de nos commissaires d'exposition toujours rétifs à incorporer dans leurs expositions rétrospectives des auteurs d'art non reconnus comme artistes, parce qu'étrangers au cirque spectaculaire des Beaux-arts établis. Il y avait pourtant des prémisses de cette reconnaissance peu développée, avec les présences d'oeuvres de Baya, Jaber ou Triki. Allons, encore un effort si vous voulez, messieurs-dames les commissaires d'exposition, devenir révolutionnaires...

Couverture du petit catalogue consacré à des œuvres de Gouider Triki, publié à l'occasion d'une exposition en 1992 à l'Institut du Monde Arabe, à Paris.

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¹ De Henri Jossot, je signale cependant que les éditions bordelaises Finitude ont réédité (pour le premier) et édité (pour le second), il n'y a pas si longtemps, deux livres, Le Fœtus récalcitrant (1ère édition 1939, puis Finitude 2011) et Sauvages Blancs! (2013), où il se livre à une descente en règle des attitudes et comportements colonialistes dans les pays du Maghreb sous domination française.

                       

 

Les Bricoleurs de paradis de nouveau à Bègles le 18 mai 2024

     http://www.musee-creationfranche.com/?page_id=179805

     Le lien ci-dessus mène au Musée de la Création Franche qui, en dépit de sa fermeture pour travaux d'agrandissement, continue de s'activer, engendrant exposition et animations diverses. Le 18 mai, pour la Nuit des Musées, je m'en vais venir débattre avec le public présent à l'Espace Vautrin consécutivement à la projection des Bricoleurs de paradis, le film de Ricordeau que j'avais co-écrit avec lui en 2011. Le film permet de voir ou revoir divers créateurs autodidactes dont certains nous ont quittés depuis (André Gourlet, ou Bernard Roux par exemple). On y voit aussi André Pailloux baguenaudant avec son vélo surchargé de bibelots et autres colifichets multicolores et tintinnabulants, ce même vélo qui a été désormais acquis par le Musée de la Création Franche.

André Pailloux en action sur le fameux vélo qu'il a ensuite transféré au Musée de la Création Franche ; ph. Bruno Montpied, 2010.

 

       Parmi d'autres créatifs du bord des routes, on voit aussi dans les bonus du DVD des "Bricoleurs de paradis" (film trouvable gratuitement sur YouTube, je le signale, mais sans les bonus...), un film super 8 de mézigue tourné à Mantes-la-Ville, en 1987, devant le jardin de sculptures en assemblages de silex et autres cailloux de Marcel Landreau. Ce dernier fut démantelé par son auteur vers 1990, pour être transféré en partie dans son pays natal, à Thouars (Deux-Sèvres). Hélas son auteur décéda peu de temps après, en 1992.

        Mais là aussi, très récemment, des sculptures – une trentaine – ont pu être conservées en parvenant, par mon intermédiaire et celui de l'antiquaire Freddy Tavard qui en avait acquis après une dispersion en brocante, dans les collections du musée de Bègles (grâce à la clairvoyance de sa directrice, Hélène Ferbos), musée qui devient à présent la collection publique la plus fournie en sculptures de Marcel Landreau. Aucune collection privée, non plus, sur le chapitre Landreau, ne peut désormais rivaliser avec Bègles...

 

Marcel Landreau, deux amateurs de bon vin rouge, silex assemblés, années 1980; anc. coll. F. Tavard, désormais coll. Musée de la Création Franche, Bègles : ph. B. Montpied, mai 2023.

Marcel Landreau, quelques pièces éparses, coll. F. Tavard ; ph. B.M., 2023.

 

        A l'Espace Vautrin, sera montée une petite exposition, intitulée "Sortez du cadre!" avec des reproductions photographiques de divers sites, ainsi que, peut-être, des fragments de certains environnements qui ont pu être conservés, extraits de leurs contextes, faute d'avoir pu sauver l'intégralité des sites sans doute. 0n pourrait ainsi envisager un jour, comme c'est seulement esquissé au LaM de Villeneuve-d'Ascq par exemple, de consacrer un espace à part pour l'évocation – audiovisuelle en même temps qu'en présence d'objets – des sites originaux des inspirés du bord des routes. Le futur musée de la Création Franche aura-t-il l'audace de nous proposer un tel espace à l'avenir?

"Au programme :

18h – 23h // Visite libre de l’exposition « Sortez du cadre ! »

(…) Le musée de la Création Franche vous propose de découvrir une sélection de fragments de ces univers, issus de ses collections, qui sortiront exceptionnellement des réserves.

19h30 – 20h30 // Projection du film documentaire « Bricoleurs de paradis »

Réalisé par Rémy Ricordeau • Écrit par Bruno Montpied et Rémy Ricordeau, 53′.

Bricoleurs de paradis nous emmène à la rencontre d’Arthur, André, Michel, Concetta, et beaucoup d’autres, qui consacrent leur temps à s’occuper de leur jardin et à décorer leur maison. Mais à la différence de la plupart, eux les transforment… [de manière plus personnelle, souvent excentrique]. En s’attardant devant ces maisons, Rémy Ricordeau et Bruno Montpied nous emmènent à la rencontre de ces « inspirés du bord des routes ».

20h30 – 21h15 // Rencontre avec Bruno Montpied

Bruno Montpied est un créateur, auteur et spécialiste des environnements d’art brut. Il a notamment écrit Éloge des jardins anarchiques (L’Insomniaque, 2011) et Le Gazouillis des éléphants (Le Sandre, 2017)*, première tentative d’inventaire général des lieux de ce type en France.

 *Réédition du livre Le Gazouillis des éléphants à la fin de l’année 2024 en co-édition Hoëbeke et Le Sandre.

 Renseignements : 05 56 85 81 73 / [e-mail]"

Marcel Landreau, une tête en silex et cailloux divers, coll. et ph. B.M., 2023.

Les Francs-tireurs de l'art, l'exposition chez Tajan du 5 au 10 avril 2024, vente le 10 avril à 15h

       L'exposition de plusieurs lots de la vente cataloguée des "Francs-tireurs de l'art" a débuté hier vendredi dans les salons de Tajan, là où aura lieu la vente du 10 avril. Et c'est assez réussi ma foi, aussi bien sinon mieux que dans une salle de musée.

Centre de la salle de vente et d'exposition, avec deux Boix-Vives, un Patrice Cadiou (la sculpture noire sur socle blanc au centre), des Armand Avril à droite, des Macréau dans le fond... ; photo Bruno Montpied, 2024.

A gauche dans le fond un grand Nedjar (très Golem), un Sucahyo à côté d'un Joël Lorand, des Nitkowski dans le fond sur le mur, encore le Cadiou toujours sur son socle blanc, etc. ; ph.B.M., 2024.

Vitrine à l'entrée de la salle d'expo, avec diverses œuvres: Gironella, Marie-Jeanne Faravel, Chomo, Charles "Cako" Boussion, Robillard, etc... ; Ph. B.M., 2024.

Un très beau Joël Lorand... ; ph. B.M., 2024.

De gauche à droite, une sélection d'outsiders américains: Gérald "Creative" de Prie, Henry Speller, Dwight McKintosh, Dan Miller, Inez Nathaniel Walker, auquel manque John Henry Toney, qui aurait très bien figuré selon moi dans cette sélection (à la place de Dan Miller que je trouve bien moins original) : ph. B.M.

John Henry Toney, pas exposé (à moins d'erreur de ma part ; serais-je passé trop vite?) mais présent dans la vente (lot 70) ; ph.B.M., 2023.

D'autres Anglo-saxons, Henry Faust, Ted Gordon, Madge Gill ; ph B.M., 2024.

Yvonne Robert, Mario Chichorro, Alain Lacoste... ; ph.B.M., 2024.

Boix-Vives, Hector Trotin, Inez Nathaniel Walker (au fond) ; ph.B.M., 2024.

Les francs-tireurs de l'art II, la vente en ligne?

      Tajan est un peu en retard... Hier, 2 avril, si l'on se fie aux dates qui étaient avancées depuis plusieurs jours sur le site web (mais cette date a reculé désormais...), auraient dû être mis en ligne les lots complémentaires de la vente du 10 avril prochain (celle-ci, 163 lots, bénéficiera d'une exposition dans les locaux de Tajan, 37 rue des Mathurins dans le 8e arrondissement parisien à partir du vendredi 5 avril). Les lots complémentaires sont intitulés, sur leur site web, "Francs-tireurs  II". Pour l'instant, à l'heure où j'écris ces lignes, au matin du 3 avril, difficile pour les collectionneurs et autres amateurs d'art autodidacte hors système des Beaux-Arts de se faire une idée de ce qui est – était? – proposé dans cette partie II. S'en faire une idée, avant d'en acquérir éventuellement, relève de la divination!... Mais ce sera très vite corrigé sans doute.

      Alors, je mets ici quelques reproductions d'œuvres à tout hasard, choisies parmi les très nombreux lots qui avaient été envisagés. En attendant que l'intégralité des œuvres proposées au feu des enchères sur le web soit enfin visibles.

Ali Mimoune (Maroc), sans titre, 26x39 cm (Ali Mimoune est peut-être l'autre orthographe d'Ali Maimoune, toujours actif à Essaouira ; cette œuvre-ci est ancienne, plus primesautière que celles que le même Ali Maimoune produit aujourd'hui et qui sont nettement plus décoratives et un peu fades, il faut bien le dire), photo Bruno Montpied.

Victor Amoussou (Bénin), sans titre, stylo sur papier, 29x27cm, 2022 ;  ce créateur est toujours actif aujourd'hui, son œuvre se divisant en deux parties : dessins aux thèmes semble-t-il grandement influencés par l'imaginaire vodou béninois et marmites martelées de façon à figurer des masques grotesques); ph. B.M.

Benjamin Déguénon (Bénin), sans titre (série "Irréalité"), stylo sur papier, 24x32 cm, vers 2020 ; ph. B.M ; 

Benjamin Déguénon est un artiste, plus « singulier » que directement brut. Il est capable de s’exprimer sous plusieurs formes et il est à la tête de différentes périodes dans son œuvre. C’est sa série « Irréalité » ‒ qu’il aurait pu tout aussi bien intituler « surréalité » ‒ qui fait de lui un dessinateur inspiré, lui aussi sans doute influencé par la mythologie vodou béninoise. Cette originalité le rapproche des « bruts », et aiderait aussi bien à fonder un surréalisme inconscient africain.

Patrick Chapelière, sans titre, crayons de couleur, grattage sur papier, 50x40cm, 2007.

Yves D'Anglefort, Projet pour la cathédrale Notre-Dame de Paris avec le temps, crayons de couleur sur plusieurs feuilles de Canson collées en deux parties sur du carton plume et rassemblées en une seule œuvre, 80x110cm, 2023.

Oscar Haus (Belgique), sans titre, crayons de couleur sur papier, sd (avant 2005).

Des œuvres de ce créateur belge, particulièrement inspiré et talentueux, sont conservées à la Collection de l’Art Brut à Lausanne, de même que dans la collection d’Art et Marges à Bruxelles. Il fit partie des créateurs encouragés à s’exprimer plastiquement par le Centre de la Pommeraie de Bruno Gérard et autres à Ellignies Sainte-Anne, à partir de 1974. Accordéoniste lui-même, après une période où il dessina des paysages et autres objets de la vie quotidienne, il choisit de se concentrer sur la représentation des plus célèbres de ses homologues musiciens, toujours uniquement à l’aide de crayons de couleur. D’autres œuvres de lui sont au Musée de la Création Franche à Bègles qui a eu raison de souligner son acharnement technique dans la superposition des tons qui confère un éclat particulier à ses œuvres.

Ilmari Salminen (Finlande), dit "IMPPU" (1929-2008), President Tarja Halonen, marqueurs, crayons de couleur et collage de coupures de presse sur papier, 69x51cm, 2000.

Ilmari Salminen est l’auteur d’une œuvre entièrement consacrée à glorifier, par le truchement de compositions ornementales et géométriques, diverses personnalités liées à l’histoire de la Finlande. Il a été exposé dans plusieurs régions du monde, à commencer dans son pays au musée d’art contemporain d’Helsinki, mais aussi dans des galeries à Kyoto au Japon, ou à Genève en Suisse. Il a été incorporé à des collections de photographies brutes plus récemment. Ses compositions, centrées sur des figures de personnalités, ne sont pas sans faire penser aux compositions de même conception dues à l’auteur brut russe Alexandre Lobanov ou au Français Charles Boussion.

Bibli : Photo/Brut, Collection Bruno Decharme et Cie, sous la direction de Bruno Decharme, co-édition ABCD/Flammarion/American Folk Art Museum, Paris-New-York, 2019.

 

Etc, etc...

DERNIERE MINUTE: Enfin, ça y est, la liste intégrale des lots de cette partie II des "Francs-tireurs de l'art" a été affichée ce mercredi 3 avril, en début d'après-midi: faut aller sur ce CLIC...