Ruzena, les encres de l'autre monde

   Vendredi 31 octobre, rendez-vous au vernissage d'une nouvelle exposition de Ruzena à la galerie Dettinger-Mayer (la première avait eu lieu en 2005, et j'exposais en sa compagnie ; celle-ci est prévue pour durer jusqu'au 29 novembre 2008). On pourra continuer de pénétrer plus avant dans son monde étrange, proche d'une certaine fantasy graphique qui se nourrit aux meilleurs sources des imagiers raffinés, du type Beardsley, Arthur Rackham et autres Edmond Dulac, sans qu'on veuille non plus réduire Ruzena à aucun de ces auteurs, tant elle a su dresser un univers désormais bien personnel, avec ses racines, son tronc et ses branches qui ne cessent de se ramifier en de multiples directions.

Ruzena, La Haine des autres, avril-mai 2008, ph.B.Montpied, 2008

     La métaphore de l'arbre ou de la forêt vient rapidement sous la plume lorsqu'on veut évoquer l'imaginaire graphique de Ruzena, tant l'élément végétal est présent dans ces compositions, indépendant des figures humaines, ou parfois fusionnant avec ces dernières. Cet imaginaire est féru de métamorphoses en vérité. Souvent tenté par la cruauté et la torture mais surtout empreint d'un humour noir que l'auteur paraît priser avec gourmandise. Elle aime à jouer avec certaines conventions morales. Les bébés sont en danger chez Ruzena, à moins que ce ne soit que l'image du bébé dans nos sociétés qui soit ainsi visée, en raison des ruissellements de mièvrerie et d'idéalisme béat qui lui sont invariablement attachés... Est-ce qu'on peut voir dans ces images d'enfants tarabustés par les homuncules de Ruzena un petit souvenir des Vivian Girls de Henry Darger?

     Apparues ces derniers temps (je lui ai rendu visite dans son atelier récemment, en juillet de cette année), des branches épaisses et ténébreuses, me faisant songer à des cuisses, des fibres musculaires, ou des fuseaux gainés dans des collants noirs, se mettent à serpenter, comme sur l'image qui sert pour le carton d'invitation à l'exposition (ou le dessin ci-dessus intitulé La Haine des autres). Nouveauté qui n'aura peut-être qu'un temps, tant l'auteur paraît avant tout éprise des surprises suivantes que lui apporte son art (elle paraît affamée d'expérimentations nouvelles). J'aime ainsi particulièrement, à la suite d'une autre de ses périodes, des fantômes blanchâtres qui viennent en arrière-plan caresser ou frôler des figures situées au premier plan, peut-être désireux de leur poser des questions qui paraissent les tourmenter secrètement.

Ruzena, dessin sans titre, ph B.M., 2008

     Je donne ci-dessous le texte que j'avais écrit pour Ruzena sur le carton de l'exposition la concernant en 2005 chez Dettinger (nous avions écrit mutuellement l'un à propos de l'autre sur nos cartons respectifs):

      "LES BELLES AU BOIS MORDANT

      Où sommes-nous? En forêt? Mais dans une forêt d'enfer où des êtres non nés sont pendus, ficelés, indolents. Hésitant entre l'humain et l'hybride. Irrésolus, ils patientent en attendant d'exister tout à fait. Comme des mouches dans la toile d'araignée de l'Oubli. Derrière eux - futur ou passé? - ce qu'ils n'ont pu choisir d'être : des spectres pâles à la lisière du néant dérivent, les yeux vides, l'air de noyés. C'est le maquis où le végétal le dispute à l'animal, où l'on étouffe. Pourtant tout est normal, terriblement normal, jamais on ne se révoltera.

Ruzena, dessin sans titre, ph.B.M., 2008

      Au coeur de cette jungle serpentine sans haut ni bas, sans autre lueur qu'une brume sépia, mauve, verdâtre ou pourpre, observons le muet appel d'avortons qui, si l'on consent à ne plus les garotter, tendent des bras plaintifs vers leurs mères. Celles-ci s'absentent, leurs corps changeant, tantôt branches, tantôt vagues pythons femelles guettés par la morsure des lianes dragonnes.

      Les spectres blêmes gardent cette lente chorégraphie asphyxiée aux promesses d'exsangue éternité."

      (B.M. 2005) 

 

Ruzena, image du carton d'invitation à l'exposition de novembre 2008

Galerie Dettinger-Mayer, 4, place Gailleton, 69002, Lyon. Tél: [phone] ; www.galerie-dettinger-mayer.com ; ouvert du mardi au samedi de 15h à 19h30, le matin sur rendez-vous.

La canne populaire, le sceptre du pauvre

    

Deux cannes "probablement d'Europe Centrale", selon le catalogue Les cannes d'art populaire en Europe du XVIIe au XXe siècle par Laurence Jantzen

     Dans le foisonnement des productions d'art rustique, la canne a toujours eu une place de choix. C'est un support de rêve pour les moments de patience et de délassement des paysans, bergers, ou chemineaux et autres petits tailleurs de bois qu'on appelle à certains endroits (en Haute-Loire par exemple) les "tziapuzaïres" (les faiseurs de copeaux). Comme par hasard aussi, du fait que les cannes recevaient ainsi les hommages de sculpteurs improvisés et improvisateurs qui n'étaient pas dans une posture utilitariste (ouvrager une canne d'inscriptions, de proclamations, de figures adulées, humaines ou animales, de figures grotesques, érotiques, voire parfois scatologiques, à quoi cela sert-il?), les résultats ont été dans l'art populaire proches de ce que l'on a appelé l'art brut à partir des années 50. Du reste, dans les collections d'art brut, on trouve nombre de sculpteurs sur bois dont les oeuvres s'apparentent aux cannes les plus torturées qu'on rencontre dans l'art populaire rustique. On trouve des cannes sculptées même dans la collection de l'art brut à Lausanne. Qu'est devenue dans cette collection l'oeuvre de Xavier Parguey en particulier (voir article de Michèle Edelmann dans le fascicule n°5 de la Compagnie de l'Art Brut en 1965), dont certaines pièces étaient aussi autrefois signalées dans les collections des ATP?

Xavier Parguey, poignée de canne sculptée, collection de l'Art brut, extraite du fascicule 5 de la compagnie de l'Art brut (1965)

      Pour se convaincre davantage des parallèlismes et des différences entre art populaire et art brut relativement aux cannes sculptées, voici une belle occasion à ne pas manquer là encore, une extraordinaire exposition organisée par la galerie Laurence Jantzen (spécialiste des cannes de toutes appartenances, du pauvre au riche) au Louvre des Antiquaires. 232 cannes magnifiques vous y attendent jusqu'au 15 novembre 2008 (plus que quinze jours...). Ainsi qu'un catalogue édité à la clé (quoiqu'à un prix légèrement excessif: dans les 70€ pour 190 pages richement illustrées certes, mais le prix reste tout de même peu "populaire"...). On ne sait pas où donner de la tête tant l'accumulation de ces cannes seules éclairées au milieu d'une salle toute noire donne le vertige et crée un climat propice à l'hallucination. Les cannes sont exposées selon des thématiques, cannes à contenu religieux, cannes érotico-scatologiques, cannes militaires, historiques et politiques, animalières, etc... On y trouve des cannes populaires en majorité, mais aussi des cannes dues à des auteurs contemporains (notamment P.Damiean), nettement plus sophistiquées même si elles restent fascinantes elles aussi.

      Les cannes, taillées dans un seul morceau de bois ("monoxyles"), je ne peux me défendre de les considérer tels des sceptres pour rois de la dèche. Je connaissais déjà des trônes sculptés ironiquement par des artisans à leur propre usage, je m'aperçois qu'ils avaient aussi des sceptres. Tel apparaît ainsi ce Joseph Cruciani, dit "le grand Joseph", excentrique corse que la carte postale ancienne a fait connaître des amateurs d'art insolite (voir la collection de Jean-Michel Chesné que j'évoque dans ma note du 8 juin 2008), se tenant fièrement debout une haute canne sculptée à la main et le poitrail bardé de décorations probablement fantaisistes, fabricotées à son propre usage fantasmatique. La carte postale en question est reproduite en agrandissement dans l'exposition du Louvre des Antiquaires, et surtout on peut admirer juste à côté deux cannes originales de Joseph Cruciani, dont l'une paraît être celle que l'on voit sur la carte postale (le catalogue reproduit les deux cannes avec des détails et des commentaires).

     Les cannes ressemblent à des sceptres, et elles sont chargées parfois aussi de concentrer tout le long de leur fût les symboles ou les objets représentatifs d'une vie entière, ou d'un événement fondamental (une guerre par exemple). Ces microcosmes faits de saynétes ou évocations diverses empilées dans un espace restreint donnent là encore une sensation de vertige. Leurs auteurs les trimballaient avec eux tout au long des jours, insignes de leur destin promenés au long de leur vie quotidienne. 

Ensemble de cannes sculptées, extraites du catalogue de Laurence Jantzen

*

 

MERCI A PHILIPPE LALANE pour l'information...!

Léopold Thuilant derniers jours au musée de la Reine Bérengère

    Vite, vite, mes petits lapins à montres de gousset ou non à la main... Plus que quelques jours pour aller découvrir une cinquantaine de "pichets-souvenirs" de l'étonnant Léopold Thuilant exposés jusqu'au 11 novembre au musée de la Reine Bérengère au Mans.

               

Léopold  Thuilant, le boulanger à gauche, le bouilleur de cru à droite, exposition Musée de la Reine Bérengère, juin-novembre 2008

 

     Personnellement, j'en avais vu quelques-uns dans les vitrines de la collection permanente de ce petit musée caché dans le vieux Mans il y a quelques années, après avoir découvert l'existence de Thuilant à la Halle St-Pierre, où certaines pièces avaient été montrées de façon ultra marginale durant une exposition en 1994 sur l'art naïf de 1886 à 1960 (la même où l'on pouvait voir des tableaux de Benquet, voir note du 3 nov. 2007).

Léopold Thuilant, un autre pichet, évoquant sans doute le monde des bûcherons? On notera le bec verseur en forme de poule (calembour visuel) couronné d'un bouchon en forme de poule là aussi, comme si cette dernière chevauchait la plus grosse ; photo B.Montpied au musée de la Reine Bérengère en 2000

     Pauvre entre les pauvres, c'était un potier à l'inspiration plus que singulière parmi les autres potiers. Sa passion des hommes, de leurs occupations dans des campagnes sarthoises en voie de métamorphose accélérée (il est né en 1862, son oeuvre a été réalisée dans le dernier quart du XIXe siècle), le poussait à accentuer le relief de ses sujets sur les pichets, comme si la fonction utilitaire de ces derniers comptaient moins à ses yeux que le fait de camper ses petits personnages modelés avec tendresse. Je me souviens toujours avec émotion d'un pichet avec un petit train tiré par une locomotive serpentant tout autour du pot dans une parfaite désinvolture vis-à-vis des conventions. Ses pots, ses pichets tirent vers l'oeuvre gratuite, vers la sculpture plus que vers l'ustensilité et l'art appliqué. En ce sens, ils se situent à la limite de la sculpture populaire, non loin de l'art brut. Robert Doisneau, qui avait photographié ces oeuvres dans les années 70, aurait dit: "Chez Thuilant, il n'y a que de l'amour"... Est-ce par défaut de ce dernier qu'il se noya dans la boisson et finit par se pendre en 1916?

     J'ajoute qu'un petit catalogue est sorti à l'occasion de cette exposition. Ce qui augmentera quelque peu la documentation sur un créateur au sujet duquel on manque cruellement d'une monographie digne de son oeuvre étonnante.

Impressions d'Afrique, Roger Lemière

    

Roger Lemière à Lamasquère, le jardin vu de la route, ph B.Montpied, 2008

    Curieux cette idée de parsemer son jardin de statues représentant des animaux de la faune africaine, avec dans un coin un élément humain, quelque peu cliché, un bout de village avec ses indigènes demi nus (la femme a bien sûr les seins nus), la lance au poing pour l'homme, l'enfant est à quatre pattes, ce qui l'associe par la posture aux animaux divers. On trouve là, disposés de manière fort espacée un grand éléphant (imposant: il paraît chargé de faire enseigne en quelque sorte, tellement les automobilistes le voient en premier, trônant au milieu de la pelouse et dépassant le mur de clôture -mur dont la fonction semble de freiner les curiosités trop massives?), un rhinocéros, un magnifique hippopotame, des zèbres, crococodile, iguane, singes, hyène, buffle, phacochère, kangourou (pas très africain, ce dernier cela dit), okapi, panthère, lionne, écureuil, toucan, dauphin, ibis, dromadaire, etc...

Roger Lemière, hyène avec cuissot à déguster, hippo, rhinocéros... photo B.M 2008

     La maison est tout ce qu'il y a de simple, de plain pied. Les animaux sont façonnés de façon à imiter le vivant (c'est la fierté de leur auteur), ce zoo de ciment joue du coup comme un trompe-l'oeil en bordure de la route. D'ailleurs, un conducteur plus surpris que les autres peut-être (surtout plus alcoolisé en fait) a voulu aller voir de trop près une fois, et s'est encastré dans le mur de la propriété... Par temps de chaleur, le pays étant plutôt plat, on se croirait dans une savane qui aurait dérivé dans la Haute-Garonne, l'illusion est alors parfaite.

Le gorille aux traits humanoïdes, photo BM, 2008

     Devant la villa, histoire de rafraîchir les ardeurs des visiteurs qui seraient trop enthousiastes, se dresse un gorille ambigu (en raison de son aspect humanoïde) étouffant un boa dans ses pognes musculeuses, le déchirant de ses crocs. Passer à côté de lui n'est pas très rassurant. Plus généralement, on doit dire que le visiteur de ce curieux parc animalier domestique, malgré l'accueil chaleureux de Mme Lemière qui n'hésita pas à nous accueillir avec affabilité (le créateur faisant la sieste plus loin à l'ombre), ressent tout de même un certain malaise, peu explicable sur le moment... On se demande si ces simulacres au fond ne seraient pas davantage, pour certains d'entre eux en tout cas, des chiens de garde améliorés que des oeuvres d'art. Je n'ai pas ressenti en ce qui me concerne, l'ayant vu après le jardin rieur de Bepi Donal à Saiguède,  "l'enchantement" promis par d'autres commentateurs. Plutôt un zoo sec.

photo BM, 2008

Bibliographie: Voir texte et photos de Bernard Dattas dans Zon'art n°14, automne-hiver 2005. 

 

Un mouton noir?

    

Viry-Noureuil, Aisne, photo B.Montpied, oct 2008

     Voici un Mouton qui a décidé de placer une girafe et un cerf mignons sur la pelouse de sa propriété à Viry-Noureuil (Aisne). Signe d'un début de révolte? Le mouton, c'est le suiveur, d'habitude... Mais cette fois, il ne s'aligne que sur d'autres exemples de rébellion, comme par exemple à Viry-Noureuil, le jardin de Bodan Litnanski qui continue de s'abîmer (pardon, J2L), en dépit de ses beaux restes. Girafe + cerf = mouton noir, brebis galeuse?

Créations du sieur Mouton, ph.B.M., oct 08

Pour servir à l'histoire de Marie-Louise et Fernand Chatelain (3): la poésie envolée

   

Fernand Chatelain, personnage à deux têtes, années 70, ph.Clovis Prévost

    Pour conclure le feuilleton Chatelain, j'ai envie de mettre en parallèle une ou deux images d’œuvres d'avant et d'après restauration. En tentant de comparer ce qui peut l'être. Je devine que la manière de poser les couleurs notamment, chez Chatelain, constitue une grande différence avec celle des restaurateurs du site actuel, nettement plus lourde, sans nuances. Un peu comme des peintres en bâtiment sont ces "restaurateurs"...

Après le passage de la patrouille de restauration, 2008 ; photo Rémy Ricordeau

Le personnage aux jambes en tire-bouchon en 1983, il est placé de l'autre côté de la barrière de la propriété, les couleurs, les lignes, rien n'est fermement appliqué, une impression de fragilité se dégage... ; photogramme Les Jardins de l'art immédiat, B.Montpied

    Le personnage à double tête, sorte de Martien, aux nez emmêlés, aux bouches en zig-zag, aux jambes vrillées pathétiquement, peint sans uniformité et sans lissage particulier dans les années 70, se retrouve en 2008 particulièrement bien peinturluré, au point de ressembler à un décor d'aire de jeux pour enfants. Comme si on avait cherché à masquer une vérité qui dérange (et comme on a refait l'intérieur des statues en enlevant les matériaux anciens, jugés de mauvaise qualité, du grillage et du bourrage de vieux papiers de journaux, pensez donc... Là, on a voulu bâtir pour la durée, 150 000€, c'est pas donné...).

Bugs Bunny, en ruine,  2002, photo B. Montpied

Le même en 1969, photo Rousseau, voir le blog Animula Vagula ; cette photo est en effet précieuse car elle est prise très prés des débuts de la création du site de Chatelain ; si l'on constate que Chatelain, finalement, pouvait bien lisser quelque peu ses matières, il utilisait les couleurs sans lourdeur, le résultat ressemblant au coloriage d'un crayon de couleur, d'une craie, d'un pastel ; les formes sont délicatement modelées de même

     Celui qui est appelé Bugs Bunny, personnage particulièrement impressionnant avec sa gueule découvrant des incisives carnassières, ses bras partis encore en vrille, ses yeux exorbités, ses immenses oreilles de lièvre, a été passablement "arrangé" lui aussi en 2008.

On notera au jeu des 7 erreurs les couleurs changées et en plus moche, le mouchetis des animaux sur les jambes beaucoup plus grossièrement appliqué, l'air abruti du lapin, la forme moins large de sa tête, le nez planté différemment, les oreilles plus molles, les spires plus ratatinées... ; photo Rémy Ricordeau, 2008

     Une autre saynète achèvera peut-être de convaincre tout un chacun de la main lourde des restaurateurs, c'est le char de "Pégase" avec le chien au chapeau conique (et comique) qui tient les rénes.

Fernand Chatelain, Pégase, en 1983, photogramme extrait de Les Jardins de l'art immédiat, B.Montpied ; le chien apparaît loufoque, le cheval est gentil et de bonne volonté... De plus il vole...

Le même ? Il paraît poser par terre, inerte à présent, Pégase se dresse mollement, le conducteur, au chapeau trop régulier ressemble désormais à Pif le chien, et, comme le lièvre, arbore une expression de parfait simplet, pour ne pas dire plus... La scène est complètement figée

     Le chien était encore drôle en 1983 lorsque je le filmai en Super 8, suspendu plus en hauteur grâce à des cageots et des étais plus longs, ce qui lui donnait l'air de voler (logique puisqu'il était tracté par le cheval ailé Pégase). En 2008, décidément la poésie s'est envolée. Ferlaure Chatevanne est passé par là. Et pourtant, on a essayé de se documenter un peu (contrairement à ce qui a pu être affirmé). Mais il faut croire qu'on ne se baigne jamais deux fois dans le même fleuve... Ou bien, que tout dépend de la sensibilité de celui qui tient le pinceau et de sa plus ou moins grande empathie avec le créateur d'origine. La documentation n'est pas tout, la philosophie de la conduite de vie d'un Fernand et d'une Marie-Louise Chatelain doit être aussi comprise. Un film comme Séraphine, de Martin Provost, sorti sur nos écrans ces jours-ci, est là pour nous prouver que l'empathie avec une créatrice, pourtant aussi rare que Séraphine Louis, même à tant d'années de distance, est possible. Chatelain a eu moins de chance, voilà tout. Peut-être alors, comme l'avait laissé entendre Clovis Prévost, à la journée d'études de Villeneuve-d'Ascq sur les habitants-paysagistes le samedi 10 décembre2005, faudra-t-il se résoudre un jour à songer dérestaurer une si calamiteuse"intervention"...

Naissance de l'Homme Sauvage

    Voici une image qui est à verser au dossier de l'art involontaire, une catégorie qui flirte avec la poésie naturelle sur ce blog. Il m'est revenu qu'il y a plusieurs années une maison de la culture du côté d'Amiens avait concocté une exposition sur ce thème. Les épouvantails y tenaient peut-être une bonne place. Les empilements de bottes de foin y étaient représentés en tout cas à ce que l'on m'avait dit. J'ai eu déjà l'occasion de parler et de montrer des cas d'art involontaire ici, les doudous par exemple, ou certains objets emballés sans intention artistique. Cela n'est au fond qu'une variante des ready-made chers à Marcel Duchamp.

Photo Bruno Montpied, Viry-Noureuil, 2008

    Cette apparition cornue paraît figurer la naissance d'un géant, quelque "Meurt-de-faim", quelque Otesanek (l'enfant-racine qui mange tout sur son passage dans le conte tchèque mis en film par le surréaliste Jan Svankmajer), réveillé par une effroyable faim... Il est sur le point de se soulever, il est encore à moitié enfoui dans la terre, c'est qu'il faisait frisquet ce matin d'octobre du côté de Viry-Noureuil, non loin de chez Bodan Litnanski, il se calfeutrait encore...

Pour servir à l'histoire de Marie-Louise et Fernand Chatelain (2): "J'ai point le temps d'aller au club du troisième âge"

    Le 23 novembre 1977, paraît dans le Libération de l'époque un article signé M.Ch.Husson et J.P. Duvivier (sans doute photographe sur l'article) et intitulé "Dérive chez les bâtisseurs de rêve. Le bestiaire de Fernand et Marie-Louise Chatelain (78 et 75 ans)". En voici un large extrait, choisi essentiellement pour les propos des Chatelain:

    "Fernand et Marie-Louise Chatelain, [...], feuilletaient aussi leur dictionnaire, et découpaient des "quartiers de journaux". Ce dictionnaire, ils l'ont toujours. Si vieux, si disloqué que, voilà un couple d'années, ils sont partis à Alençon en acheter un neuf. Ils ont été bien déconfits. Les dictionnaires ne sont plus ce qu'ils étaient. "Il n'y a plus d'images". Ils ont garé le livre neuf, et ont continué à faire vivre les pages de l'ancien dans leur cour, autour des premières réalisations de Fernand.

     - "En qualité de Chatelain, dit-il, j'ai d'abord fait un château". "On trimballait encore pas mal, dit-elle. On était allé sur la route de Bretagne, dans une station service, il a vu un château, il a voulu essayer d'en faire autant. On avait été à Chambéry, itou. Il a fait la fontaine des 4-100-Q (des quatre sans cul). Je rouspétais au début, je trouvais ça drôle..." Maintenant, elle ne dit plus rien. Elle caresse dans la cour les oreilles d'un âne. "On dirait-y pas du velours? Et les yeux dirait-on que c'est des boutons? Vrai qu'elle est belle, la sienne. Elle a une belle chevelure, c'est le crin d'une banquette de voiture". Fernand intervient: "J'avais fait des centaures. Ils avaient les bras en l'air. Je me suis dit, pour les occuper, je fais faire une sirène... Et là, mon dragon, c'est un genre de chauve-souris. On voit ça dans le dictionnaire. C'était pas facile de faire les ailes. Je me suis dit je vais les faire ouvertes, c'est moins ordinaire. Au derrière, comme j'avais de la place, je lui ai fait une grande queue, au lieu de plumes..."

La fontaine des éléphants à Chambéry

      "Moi, reprend Marie-Louise, je lui donne des idées pour la peinture. Rouge et jaune, j'aime bien ça ensemble. D'abord les grilles, on les a peintes en rouge et jaune..."

      Enfant de cultivateur, Fernand a d'abord été boulanger jusqu'à 27 ans. Puis il a épousé Marie-Louise, sa payse, fille de cultivateurs. Et ils ont repris une ferme, là-bas, dans la descente, là où il y a l'usine. Ils ont vendu le "noyau" - les bâtiments - à l'usine, sont venus s'installer là. "Il n'y avait que des prés, se souvient Marie-Louise. La maison a été montée de décembre 1960 à la Chandeleur 1961. On y est venu qu'en octobre. On restait culture, jusqu'à la retraite. Le patron a commencé à faire des clôtures..."

      - "C'est bien bizarre, dit Fernand, L'idée nous vient d'occuper le terrain. On avait de la place, il y avait du vide. Je me suis dit si dans la clôture, je faisais des affaires entrelacées?"

Fernand Chatelain, une pieuvre entrelacée avec la balustrade de clôture, photogramme des Jardins de l'art immédiat, 1983, B.Montpied ; à noter qu'il ne semble pas que ces sujets aient été reconstitués dans la restauration actuelle

      - "Oui, mais attention, coupe-t-elle. Pas devant la porte..."

      - "Ah, Ah, s'amuse Fernand, Madame, elle veut pas que je touche à la porte, ni à l'intérieur... J'ai fait des essais, Pégase, le cheval ailé du dictionnaire, et j'ai continué... je récupère dans les dépotoirs, chez les mécaniciens des bouchons de bouteille pour faire les yeux.Je m'ennuie point. Tout ça, ça vient en le faisant. Le matin, quand je dors pas, je cherche les complications. J'ai point le temps d'aller au club du troisième âge. Mais je n'ai aucun talent de dessinateur. Des fois je gribouille, je dis à la patronne, "ça ressemble à quelque chose?" Elle me dit "c'est bien, c'est pas bien, j'y mettrais une queue, une patte". Des fois, on est zéro en imagination. Je lui dis. Elle répond "laisse donc tout ça, tu nous hébètes avec tes machines" Et puis on repart. Au début, il y avait un représentant qui m'amusait pour me vendre une voiture. Un as du dessin. Il me faisait des sujets sur un papier... Moi, pour les physionomies, ça va pas".

     - "Sauf Giscard, corrige Marie-Louise. Vous avez vu le gabarit, pour les visiteurs. Sa carcasse de grillage qu'il bourre de papier et recouvre de ciment? Il en faisait un. Je lui dis, c'est Giscard. Il me répond "Penses-tu, c'est pas Giscard" Je lui dis "c'est tout vrai, c'est Giscard" Et une touriste belge nous a photographié à côté de Giscard. C'est-y possible de s'amuser pareillement à nos âges!"

Fernand Chatelain, photogramme extrait des Jardins de l'art immédiat, B.Montpied, 1983 ; le personnage humain au centre de l'image tenant le panneau doit être le Giscard évoqué par les Châtelain dans l'interview ; à droite, le début de la fontaine des 4-100-Q de Chambéry version Chatelain

 

     On se balade dans la cour. Marie-Louise n'aime pas les grands pendus de papier accrochés aux arbres par Fernand. Elle préférait "les singes de toutes les catégories". Mais elle aime bien la petite maison, fait d'échantillons de Formica. Là, des fleurs sont plantées dans les grands sabots. Une girafe. "S'il n'y avait pas cette poutrelle, la tête emporterait le derrière, commente Fernand. J'assujettis mes sujets sur place, je les termine là, à cause du poids". Un lion à six pattes. Un poisson fait de "coquilles Saint-Jacques en aluminium retrouvées dans un dépotoir". Des souvenirs de voyage. Venezia Gondola, la Tour de Pise. Chaque mois de mai, pendant 25 ans, une gardienne venait remplacer Fernand et Marie-Louise à la ferme. Eux partaient voir du pays, en auto, ou en car. Bruxelles, la Hollande, la Belgique, l'Italie... "Maintenant, on est trop vieux, on voyage dans les cartes postales, dans nos têtes..." dit Marie-Louise. Et dans leur cour.

     C'est l'hiver. Fernand a des sujets en réserve. Il nous montre son atelier, sa boutonnerie - une boîte à yeux - un coq qui pond, un Anglais, un accident de voiture, un cochon qui fait du boudin, récupéré par un autre sujet, mangé par un serpent. Des boxeurs. Un photographe. Bonjour écrit en grandes lettres sur la grille, à côté de la nationale. Un jour des fêtards avaient carambolé tous les sujets de Fernand. "Les gens du pays sont venus m'aider à tout relever", se souvient-il. "Les gens, ça les amuse".

Photo Rémy Ricordeau, octobre 2008 après restauration ; saynète probable du cochon qui fait du boudin récupéré sous son derrière par un personnage qui se fait mordre par un serpent... Les couleurs violentes font presque penser à du Niki de Saint Phalle.

     "Ils ont le sourire, c'est pas croyable" dit Marie-Louise. "Encore une journée de passée. On prend la soupe à 6 heures, on regarde les chiffres et les lettres à sept heures". Fernand va vendre du bois. "Au printemps, dit-il, en montrant des rosaces peintes sur des cartons, en haut d'un hangar, ça pourrait bien tourner à faire des sujets là haut. L'imagination, ça occupe". "On nous demande de vendre. On veut pas. On aime bien voir ça, et tout le monde peut en profiter. Le patron fait ça pour son plaisir", dit-elle. Et lui termine en s'esclaffant. "Ca coûte, mais moins que si je faisais la bringue tous les jours".

Pour servir à l'histoire de Marie-Louise et Fernand Chatelain, à Fyé dans la Sarthe (1)

      Des photos qu'un camarade m'a transmises récemment m'ont ces jours-ci poussé à me préoccuper à nouveau des Chatelain, Fernand et Marie-Louise, qui vivaient à Fyé dans la Sarthe.

Fernand Chatelain, une de ses oeuvres, telle qu'on la voit dans Les Jardins de l'art immédiat, films Super 8 sur les environnements de Bruno Montpied ; photogramme 1983 ; sur les reportages montrant les statues restaurées actuellement, nous n'avons pas vu ce cavalier et sa monture 

     Fernand, boulanger, puis agriculteur à la retraite, auteur de dizaines de sculptures qu'il avait placées le long de leur terrain en bordure de la route du Mans à Alençon, était le maître d’œuvres, mais sa femme le secondait de ses conseils et surtout le soutenait dans sa marotte, ce qui n'a pas toujours été le cas chez d'autres créateurs de leur acabit (je songerai toujours à la femme de Virgili qui m'engueula, moi et un copain, en me traitant de "bougnoul" et autres noms d'oiseau, en m'engageant sans plus de manières à quitter le jardin où Virgili pourtant nous avait reçus avec amabilité - au Kremlin-Bicêtre - et continuait d'ailleurs de nous parler, en chuchotant: "ne faites pas attention, elle n'a pas toute sa tête, vous savez...").

    Les Chatelain ont été connus d'abord bien sûr grâce à des articles dans la presse régionale, puis grâce aux ouvrages de Claude et Clovis Prévost, notamment le catalogue des "Singuliers de l'Art", l'exposition du musée d'art moderne de la ville de Paris, organisée en 1978. A cette époque, Chatelain avait confié aux Prévost qu'il avait commencé son environnement une douzaine d'années auparavant, donc au milieu des années 60. Né en 1899, il est mort en 1988. Les photos de Clovis Prévost semblent dater des années 70 (les dates sont importantes à propos des environnements!), et donc, paraissent pouvoir être prises comme base d'appréciation pour juger des couleurs, des techniques qu'employait Châtelain pour ses statues étonnantes.

      Car cette œuvre (oui, n'en déplaise aux esthètes, on peut parler d'une œuvre) et cet environnement surprenaient par sa facture et son inspiration. Ils sont très différents des autres sites où se dressent  des statues, plus naïves, ou relevant davantage d'un réalisme poétique (comme chez Gabriel Albert en Charente-Maritime, par exemple, ou chez Emile Taugourdeau dans la Sarthe lui aussi). Parmi les statufieurs, Chatelain était à part. Ses centaures, ses anges, ses bêtes fantastiques, parfois sans tête et siamoises (voir les deux animaux placés en 1983 sous les centaures dans notre photo en noir et blanc), ses diables,  ses animaux et personnages toujours invariablement drolatiques, ses saynètes cocasses et infantiles, je n'en ai guère vu de pareils dans le corpus des environnements populaires.

Fernand Chatelain, photogramme extrait des Jardins de l'art immédiat, B.M., 1983 ; on notera la douceur (en 1983, Châtelain était vivant) des peintures sur des personnages, qui eux aussi ne semblent pas apparaître sur les restaurations actuelles...

Fernand Chatelain, le groupe des Centaures, photo en 1983 de Roland Chelle ; on voit deux quadrupèdes placés symétriquement de part et d'autre du masque aux gros yeux en bas... Absents aujourd'hui des statues restaurées

Fernand Chatelain (?), statues restaurées (ou reconstituées), photo Rémy Ricordeau, sept. 2008

     Donc, oui, ce site était pour cette raison attachant, et nombreux étaient les amateurs qui ne se résignaient pas à le voir disparaître. On sait que depuis deux ou trois ans deux associations, en partenariat avec la mairie de Fyé, se sont occupées de restaurer le site gravement endommagé avec l'aide financière de la communauté de communes (on a parlé de 150 000 € débloqués...). J'étais personnellement passé en 2002, et j'avais enregistré ces dégâts sur les statues, qui, je dois aussi le dire, gardaient malgré la mort inscrite partout sur ces ciments fissurés, parfois éclatés, un certain charme, le charme qui s'attache aux ruines, comme on le sait depuis les romantiques et les folies du XVIIIe siècle (pensons au Désert de Retz). Ces restaurateurs, selon le plan de campagne des travaux, devaient normalement achever le chantier de remise en état de la quarantaine de statues répertoriées (mais il a dû y en avoir beaucoup plus, car certaines avaient été cassées, volées, ou données par l'auteur) cette année 2008.

      Ces restaurateurs étaient armés de la meilleure bonne volonté, en apparence, à l'égard de l’œuvre de Fernand Chaâtelain. Effectivement, l'état dégradé de celle-ci faisait mal au cœur. Ils se sont documentés, notamment en regardant les photos de Clovis Prévost (leurs Centaures restaurés se basent à l'évidence sur les Centaures photographiés par Prévost dans les années 70, par exemple, or ces Centaures en 1983, possédaient d'autres sujets à leurs pieds, qui complexifiaient davantage la composition). Il semble qu'on se soit aussi basé sur des clichés de différentes périodes (et les images ne doivent pas manquer sur ces sites, abondamment photographiés par d'innombrables visiteurs et voyageurs). A quelle date doit-on s'arrêter pour choisir ce que l'on va décider de fixer par la restauration? Au début, au milieu, à la fin de l’œuvre? Chez Chatelain, les statues se métamorphosaient, soit du fait de la volonté ou des caprices des auteurs, soit à la suite des actes indélicats et du vandalisme (le sabot géant où est juchée à son sommet une étrange bête qui tient des animaux en laisse comme au bout de cannes à pêche n'eut pas toujours ces occupants ; il fut un temps où un énorme personnage assez grotesque et carnavalesque remplissait ce sabot de sa présence disproportionnée).

F.Chatelain, la bestiole à trois pattes et deux bras tenant des fils, photogramme 1983, Les J de l'AI, B.M.; noter l'espèce de coiffure ou de masque (?) qui surmonte la tête : elle a disparu à la restauration (sans doute basée sur des photos où elle n'existait pas encore? D'une autre époque donc?)

F.C. (et Laure Chavanne et alii), le sabot et ses occupants, restauration actuelle, ph.Rémy Ricordeau, sept. 2008

Sur cette photo peu connue de Clovis Prévost (extraite du catalogue de l'expo de 1993 au Havre sur les Bâtisseurs de l'Imaginaire), on voit que le sabot n'a pas toujours été occupé de la même façon que celle choisie en définitive par les restaurateurs

     Il semble que les restaurateurs aient choisi sans trop faire attention à la question de l'époque. Les centaures sont restaurés d'après les années 70, et l'homme qui salue ("Bonjour aux promeneurs") au bord de la nationale est restauré tel qu'il était à la fin de l'existence de Chatelain (car le "salueur" lui aussi a eu des variantes). Cela donne donc un jardin avec des statues fixées à des stades correspondant à des époques distinctes. On a désormais affaire en 2008 à un nouvel avatar de ce jardin qui n'appartient plus à Fernand Chatelain à tous les sens du terme (les statues étaient liées à l'habitant, l'habitant n'est plus là, les statues disparaissent aussi, le musée et son inéluctable ossification prennent la place... Seulement, dans le cas de l'art brut, art de l'immédiat par excellence, le contraste est particulièrement choquant - enfin, pour ceux qui perçoivent cette caractéristique de l'art brut...).

     Mais il y a d'autres raisons pour ne plus lui attribuer le jardin actuel. Le potager n'existe plus avec sa joyeuse sarabande de statues bizarroïdes, or il mettait une importante touche d'activité productrice à côté de ces œuvres (l'"artiste" avait été aussi agriculteur...), et cela rejaillissait sur ces dernières (voir ci-dessus la photo du sabot et son masque par Prévost). De plus, les statues ont été refaites pour la plupart, l'une des restauratrices, très "interventionniste", a même reconnu qu'elle avait changé les infrastructures, considérant que celles qu'avait mises Chatelain (il n'avait pas 150 OOO euros, certes...) étaient vraiment trop précaires. On n'a pas voulu de ce précaire-là, et on a donc refait les statues en se passant de cette fragilité (en changeant les armatures internes). Pourtant, tout était là, dans cette fragilité. L'esprit de Chatelain résidait là, dans cette légèreté. Ce que l'on a mis à la place n'est donc plus du Chatelain. Il y a eu captation d'héritage... On a tiré Chatelain du côté du cartoon (Laure Chavanne, qui dirigeait la restauration, comme l'avait relevé Pascale Herman sur son blog Les Inspirés du bord des routes, citant un interview de Mme Chavanne publié dans le bulletin Entré Visité Merci n°2, a insisté sur cette référence constitutive à ses yeux du caractère "vivant" de l’œuvre de Chatelain ; elle avoue ainsi l'orientation qu'elle a préféré mettre en avant, sans doute parce que plus en accord avec sa culture personnelle). D'autre part, les statues paraissent vouées à des positionnements dans l'espace qui ne correspondent plus aux emplacements (changeants cela dit) voulus par Chatelain. Enfin, les statues ne sont pas identiques en surface aux statues d'origine: par leur peinture, trop unie et violente, par le lissé des matières, par leur modelé (infiniment moins adroit, bien plus raide, que celui du créateur d'origine), et par toutes sortes de détails que nous signalerons plus en détail dans deux ou trois exemples à venir. Je le répète, Chatelain n'est plus là, on a voulu le continuer en réalité (et pourquoi pas, si rien d'autre ne paraît se présenter? Je m'insurge seulement contre le fait qu'on continue de parler du jardin humoristique de "Fernand Chatelain" alors qu'on devrait plutôt l'appeler de "Laure Chavanne et consorts", ou de "Ferlaure Chatevanne"...), en le cuisinant avec une nouvelle sauce (et on l'a bien "assaisonné"...). 

     OK, OK, on va dire, c'est facile de critiquer... Qu'auriez-vous fait, vous, à la place? Ce que je sais faire, informer, et fournir des éléments au débat. Ceux qui ricaneront sont des malhonnêtes. Ce sont généralement les mêmes qui, sous prétexte de haine à l'égard de toute réflexion, jugée invariablement comme une perte de temps, imposent leurs vues ou leurs actes, la plupart du temps brutaux et réducteurs, de façon dictatoriale. C'est vrai aussi que l'on peut être abusé par l'aspect flambant neuf de ces statues fraîchement repeintes. Laissons passer quelques années, me dit-on, ça redeviendra comme vous l'aviez connu... C'est oublier le maître d’œuvre qui cette fois n'est plus le même. C'est une collectivité cette fois, et plus seulement un petit pépé isolé travaillant à partir d'un vieux dictionnaire, avec les moyens du bord (mais qui avait la flamme poétique, lui...). Cependant, on pourra aussi se référer à la restauration exemplaire qui a été faite sur le Palais Idéal du facteur Cheval à Hauterives...

Marie-Louise et Fernand Chatelain photographiés par Clovis Prévost dans les années 70 (cf. Les bâtisseurs de l'imaginaire, éd. de l'Est, 1990) ; on voit que les couleurs telles que les posait Fernand Chatelain étaient bien moins vives, moins denses, la peinture était posée sans lourdeur et les matières gardaient une rugosité négligée par la restauration récente ; les sujets étaient présentés assez serrés, dans un pêle-mêle foutraque et impressionnant...

     J'ai dans mes dossiers des tas de coupures de presse bien obsessionnellement entassées au fil des années. Histoire de laisser un peu la parole aux Chatelain cette fois, je ferai la prochaine note en reproduisant les propos qui leur sont attribués dans un ancien numéro de Libé des années 70. Tirés d'un article publié avant l'exposition des Singuliers de l'Art de 1978. Suspense...

Le monde s'écroule...

   Notre honorable correspondant, Joël Gayraud, nous a communiqué ce graffito tracé à la bombe aux USA visant la crise actuelle qui secoue le capitalisme. Il nous signale en outre un témoignage d'un ami qui a vu à New-York une banderole tendue en travers d'une rue faisant face à Wall Street où il y avait écrit: "Jump! Jump!" ("Saute! Saute!"), en allusion aux défenestrations de banquiers qui se produisirent durant la crise de 1929.

Traduction possible: "Si les banques s'effondrent, nous serons encore là l'un pour l'autre" ; relevé sur une palissade de chantier à Mission Street, San Francisco, USA

L'inspiration au fond de la terre

   Décidément, la mine il n'y a rien de mieux pour susciter des vocations de peintre... On connaissait les peintres plus ou moins spirites comme Augustin Lesage, Joseph Crépin ou Victor Simon dans la région du Nord de la France (zone de Burbure, Arras, Béthune), dont certains comme Lesage travaillèrent dans les mines de charbon. L'exposition montée il y a quelques années à la Halle Saint-Pierre (en 2002-2003), par la surréaliste tchèque Alena Nadvornikova, sur l'art brut tel qu'on pouvait en découvrir des exemples en Bohème, en Moravie ou en Slovaquie avait révélé les peintres et dessinateurs médiumniques originaires de Silésie et du nord de la Moravie, contrées connues pour leur industrie lourde ou minière. Leurs oeuvres riches et délicatement tracées n'avaient rien à envier aux dessins médiumniques conservés à la Collection de l'Art Brut de Lausanne, où par la suite du reste elles furent exposées.

Erwin Sowka, tableau reproduit sur le site Muzeum Miejskie Zabrze  

    Cela a donné visiblement des idées aux Polonais qui ont aussi une région de Silésie sur leur territoire de l'autre côté de la frontière avec la République Tchèque. Pourquoi ne pas baptiser du terme "art brut" les peintres mineurs de la région de Katowice? C'est ce qui se passe avec l'exposition "Des profondeurs à la lumière, art brut de Silésie" ouverte  depuis le 10 septembre et prévue pour durer jusqu'au 10 novembre 2008) au Musée de l'Hospice Comtesse à Lille (qui s'est déjà fait remarquer en montant naguère l'exposition "L’Homme-Paysage" en 2006-2007). Comme me l'a indiqué Gilles Manéro, à qui je dois l'information de cette exposition, malgré son sous-titre, on reste assez loin de l'art brut dans ce cas, et plus près de l'art naïf en réalité. Il s'agit pour les organisateurs d'un tour de passe-passe, les naïfs polonais de la région de Katowice, encouragés à l'époque du régime communiste, sont aujourd'hui quelque peu "plombés" par ce parrainage désormais honni dans des pays ralliés aux valeurs de l'ouest, où l'art brut est bien davantage à la mode.  L'art naïf, d'origine populaire, a représenté en effet à une époque, pour son malheur, un corpus d'oeuvres aisément embrigadables sous la bannière du réalisme socialiste. Comment laver cette tache "déshonorante"? Eh bien, par un coup de baguette magique, on maquille la plaque minéralogique, et ni vu ni connu, ce qui était hier art naïf devient art brut aujourd'hui!

     On me dira peut-être, mais vous l'avez vu cette expo au fait? Non, je ne l'ai pas vue (pas encore), mais je me suis un peu renseigné. La liste des artistes, tous travailleurs à la mine et appartenant à des groupes d'artistes mineurs (au sens d'ouvriers, et non pas d'artistes secondaires...), impressionnante (je cite en désordre Stefan Brom, Emil Brzezina, Ewald Gawlik, Ludwik Holesz -celui-ci pas loin de l'"art brut"- Jan Janiga, Marian Jedrzejewski, Teofil Ociepka -peintre très connu lui en Pologne et dans l'art naïf international- Léopold Wrobel -qui a sculpté le charbon, paraît-il - Pawel Wrobel, le cousin du précédent, assez connu lui aussi en Pologne, Marcin Pogrzzeba, Jozef Torka, Krzysztof Webs, etc.), cette liste laisse reconnaître certains créateurs comme Ociepka ou Wrobel, légèrement connus par ici, et classés depuis longtemps dans  l'art naïf. Jakovsky, dans son Dictionnaire des peintres naïfs du monde entier paru en 1976 chez Basilius-Presse à Bâle, a été d'ailleurs excessivement sévère avec Ociepka (1892-1978): "Ses sujets de prédilection sont la préhistoire et la science-fiction. Il se complaît à peindre des animaux disparus, ainsi que ceux qui n'ont jamais existé. C'est un aimable cauchemar, peint avec des couleurs d'un goût parfois douteux". Pour ce jugement sur les couleurs, selon un de nos amis peintres, lui-même proche de l'art naïf et par ailleurs connaisseur de l'art naïf polonais, Jean-Louis Cerisier, il y aurait beaucoup à redire. Si on doit se contenter d'en juger par les reproductions d'une qualité elle-même douteuse de certains ouvrages (j'emprunte les reproductions que je mets en ligne ici à un ouvrage polonais sur Ociepka d'Andrzej Banach, spécialiste de l'art populaire, édité par Wydawnictwo Arcady en 1988), les qualificatifs assassins de Jakosky paraissent fondés... Mais il paraît qu'il ne faut bien entendu pas se contenter de cela. Il faut nous montrer les tableaux d'Ociepka en France. Ses sources d'inspiration, la cryptozoologie et la science-fiction, me le rendent particulièrement sympathique personnellement. Le fait qu'il soit exposé à Lille est donc une excellente chose et une occasion d'en découvrir davantage sur lui au moins.

Teofil Ociepka, Gra morskich fal [un traducteur est demandé...], 70x100 cm, 1951 (intéressante, non, cette mer qui a des angles droits...?) ; extrait d'un livre sur Ociepka d'Andrzej Banach, 1988

      J'aime l'art naïf de qualité personnellement, et je ne pense pas être le seul. Je ne l'associe pas nécessairement à la propagande communiste, pas davantage que je n'associe l'art populaire aux tentatives de récupération nationaliste qui ont pu exister à différents moments de l'histoire (sous le régime de Vichy par exemple). On peut transmettre cet avis aux organisateurs de l'expo de l'Hospice Comtesse et à tous ceux qui se font des idées fausses sur l'art naïf. D'accord, il y a, il y a eu du mauvais art naïf, de l'art naïf "cucul", comme l'appelle justement le collectionneur d'art naïf Yankel (qui a fait une donation importante au musée de Noyers-sur-Serein dans l'Yonne comme on sait). Mais il y a aussi un art naïf de qualité, effectivement aux limites parfois de l'art brut. L'exposition qui va s'ouvrir au Musée Maillol sur Séraphine de Senlis (Séraphine Louis), pour accompagner la sortie du film "Séraphine" est là pour nous convaincre de ce fait, même si certains, comme Michel Thévoz, sont tentés d'annexer à l'art brut les bons créateurs de l'art naïf, histoire de vider cette catégorie de ses meilleurs éléments, et histoire de n'y laisser que les mièvres et les cuculs, pour confirmer les oukases de Dubuffet à l'égard des Naïfs.

      Ce que j'aime dans l'art naïf, c'est quelque chose qui me paraît aujourd'hui très moderne, la capacité à mettre sur un même plan des objets venus de l'imaginaire et des objets venus du monde perçu. Comme un terrain où réel rétinien et réel intérieur se rencontreraient. Cela explique en particulier que le surréalisme ait accordé beaucoup d'importance aussi bien à l'art naïf qu'à l'art brut.